For tiden vises James Richards’ installasjon Our Friends in the Audience på tvers av kino og nedre sal.
Arrangement av BO - Billedkunstnerne i Oslo
I Thomas Tveters Et sted å være møtes vi av stillestående scener i skjæringspunktet mellom interiør og landskap. Umiddelbart fornemmes arbeidene som magisk realisme i den forstand at skillet mellom det reelle og irreelle blir utydelig, om ikke fullstendig utvisket. Mer enn hva vi faktisk ser i bildene, retter Tveter oppmerksomhet mot det som ikke er der – nemlig menneskene. Er det vi ser spor etter levende vesener, eller er det vi betrakter kun rester etter en menneskelig sivilisasjon som ikke lenger eksisterer? I utvidet forstand inviterer Tveters poetiske pasteller til en refleksjon rundt menneskets rolle i verden; om vi i det hele tatt har noen rolle utover å ta opp plass som like gjerne kunne vært opptatt av noen andre.
Lys med bølgelengde på 660 nanometer befinner seg midt i den røde delen av det synlige fargespekteret; rødere blir det ikke for våre blotte øyne. I lysterapi brukes ofte nettopp denne rødnyansen, fordi den trenger gjennom hudoverflaten og stimulerer energiproduksjonen i cellene. I anledning utstillingen Spleen Heart Liver Lung har Vilje Celin Kern Vestenfor fargelagt BOs lokaler med det røde lyset. Sammenflettet med lyden av vann, tekst og skulpturelle elementer inngår det i en multimedial installasjon som utfordrer fornemmelser om tid og rom. Publikum ledes inn i en slags akronisk kontekst, et venterom, men også her går tiden selv om den synes å stå stille.
Thomas Tveter (f. 1972) er en norsk kunstner, som bor og arbeider i Oslo. Han er utdannet med hovedfag i maleri ved Statens håndverks- og kunstindustriskole (nå: Kunsthøgskolen i Oslo). Tveter har deltatt på en rekke kollektive utstillinger, deriblant Høstutstillingen. Hans arbeid finnes i samlingen til Oslo kommune og Helse Midt-Norge, samt en rekke private samlere.
Vilje Celin Kern Vestenfor (f.1989) bor og arbeider i Oslo. Hun har en MFA fra Kunstakademiet i Oslo og BFA fra Kunst og Designhøyskolen Bergen. Hun har hatt soloutstillinger på Centralbanken i Oslo og Arcway Nightlands Connector Jennifee-See Alternate i København. Arbeidene hennes har også blitt presentert på Kunstnernes Hus og Destiny’s i Oslo, After School Special på Landmark i Bergen og Fokus videokunstfestival på Nikolaj Kunsthal i København.
«Spleen Heart Liver Lung» har blitt realisert med støtte fra Kulturrådet, Kulturetaten ved Oslo kommune og Billedkunstnernes vederlagsfond.
__________________________________________________
Experiences of time and space resounds in Thomas Tveter and Vilje Celin Kern Vestenfors respective exhibitions opening at BO this Thursday.
In Thomas Tveter's A Place to Be we are met by a series of still standing scenes merging interiors and landscapes. Immediately the works evoke connotations to magical realism in the sense that the borders between the real and non-real seems blurred, if not completely erased. More than what we actually see, the paintings draw our attention to that which seems absent – the humans. Is what we see traces of living humans, or are we looking at what is left from a human civilization that has ceased to exist? In a wide sense Tveter’s poetic pastels are inviting to a reflection of the human role in the world; if we even have any role beyond occupying space that might as well be inhabited by someone else.
Light with a wavelength of 660 nanometer is situated at the mid of the red part of the visible spectrum; the reddest red that can be perceived by the human eye. In light therapy this very nuance of red is often used for its capability to penetrate the surface of the skin and stimulate the production of energy in the cells. For the exhibition Spleen Heart Liver Lung, Vilje Celin Kern Vestenfor has colored BO’s space with this red light. Intertwined with the sound of running water, text, and sculptural elements, it emerges as a multimedia installation that challenge the experience of time and space. The visitors are led into an achronical context, a waiting room, but even here time passes despite appearing as still.
Thomas Tveter (b. 1972) is a Norwegian artist that lives and works in Oslo. He has a MFA in painting from the Norwegian National Academy of Craft and Art Industry (Now: Oslo National Academy of the Arts). Tveter has exhibited his work in several group exhibitions, such as Høstutstillingen. His work is in the collection of Oslo Municipality and the Central Norwegian Regional Health Authority of Mid-Norway, as well as several private collections.
Vilje Celin Kern Vestenfor (b.1989) lives and works in Oslo. She holds an MFA from the Oslo National Academy of the Arts, and a BFA from the Bergen Academy of Art and Design. Her work has been presented in solo exhibitions at Centralbanken in Oslo, and Arcway Nightlands Connector Jennifee-See Alternate in Copenhagen. Vestenfor has also part of larger group presentations at Kunstnernes Hus, Destiny’s, After School Special and Nikolaj Kunsthal in Copenhagen.
«Spleen Heart Liver Lung» has been realized with the generous support of Arts and Culture Norway, Oslo Municipality, and the Norwegian Visual Artists Fund.
Arrangement av Tegnerforbundet - senter for tegnekunst
Deltagende kunstnere: Sigmund Skard, Munan Øvrelid, Eli Maria Lundgaard, Signe Lidén, Ane S. Landfald, Maja Nilsen, Simon D. T. Wenzel, Thorbjørn Sørensen. Kunstnergruppen MEANDER: Kjersti Vetterstad, Søssa Jørgensen, Geir Tore Holm, Caitlin Franzmann, Marina Guzzo, Kidauane Regina Alves, Alexandra Neumann, Tomoko Momiyama, Avani Tanya, U Bat Sat, Turakella Edith Gyindo og Randi Nygård.
Tegnerforbundet har invitert Randi Nygård til å sette sammen en gruppeutstilling om vann. I hennes arbeid med utstillingen har Nygård blant annet tatt utgangspunkt i sin sønns spørsmål om hvorfor vi ikke kan holde vann fast i hånden vår. Hvorfor flyter vann gjennom landskap, i vassdrag, fjorder og våtmarker, inn og ut av planter, skyer, byer, dyr, havet og kroppene våre? Det kan vi ikke svare klart på, men vi vet at vann er en forutsetning for alt liv slik vi kjenner det.
Kunsten er et sted hvor vi kan få fortsette å undre oss, hvor vi ikke trenger å holde fast og fullt ut forstå. Hvordan er så det flytende vannet, som vanner, renser, flytter og endrer, flommer over, danner skyer og blir forurenset, til stede i kunsten?
Nygård har valgt kunstnere med verk som åpner for en sterk tilstedeværelse og undring. De viser på ulike måter det grunnleggende poetiske ved verden. I Signe Lidéns lydinstallasjon hører vi tidevannets bølger gå inn i fjell og få de til å vibrere. I Thorbjørn Sørensens maleri av en bukett tulipaner møter vi en stille tilstedeværelse av mangel på vann. Sigmund Skard stiller ut en video og gjennomfører en performance under utstillingsåpningen hvor speilinger i en kopp te vil møte en nese. Simon Tegnander Wenzel har jobbet med lukter fra barndommens hule. I Munan Øvrelids maleri finner vi et kulturhistorisk rom av hav, skygger og umørke. Ane Sivertsen Landfald viser en stor tegning som er inspirert av en freske fra 1300-tallet som har gått gjennom århundrer med flom, forfall og restaurering. Vi ser livet som en vital og organisk bevegelse i Maja Nilsens collager, og i Eli Maria Lundgaard videoinstallasjon møter språk og bevissthet vannets evige kretsløp som forutsetning for alt liv.
En månekalender, produsert av kunstnergruppen Meander, inneholder korte instruksjoner om vann. Kalenderen er del av utstillingen og tilgjengelig i et begrenset opplag. Her flyter fantasien som en elv gjennom miljøet i ulike land, når kunstnerne undrer seg over hva vann kan uttrykke mellom ulike tilstander, når det fordamper, fryser og smelter ut av isbreer. Og hvordan livet ville vært om vi ikke hadde klokker, men fulgte tiden i samspill med sol, måne, vann og andre levende vesener? Hvordan ville et naturreservat med våtmark sett ut i ditt nabolag? Hva om du var en blekksprut? Eller en vanndråpe som speiler omverden?
Om kuratoren
Randi Nygård (1977, Bergen) er kunstner. I sitt arbeid tar hun ofte utgangspunkt i fakta som går på tvers av natur- og samfunnsvitenskapene og som vender oss mot det vi mennesker ikke forstår, men likevel kan sanse og erfare. Hun er interessert i sammenhenger som er usynlige, tilfeldige eller irrasjonelle, og visuell representasjon av disse.
Les mer om utstillingen:
https://www.tegnerforbundet.no/.../tidevatnet-lagar...
//
Foreløpige arrangementer i utstillingsperioden (11.10.–22.12.2024):
Kuratoromvisninger: Onsdag 16. oktober, kl. 12:00 / Lørdag 16. november kl. 13:00.
Finn ut mer: https://www.tegnerforbundet.no/.../kuratoromvisning...
"Networks of Circatidal Earth Bodies" – et live lydessay ved Signe Lidén: Lørdag 30. november, kl. 13:00.
Finn ut mer:
https://www.tegnerforbundet.no/.../live-lydessay-av-signe...
Digital presentasjon av månekalender ved MEANDER: Mer informasjon kommer.
Hold deg oppdatert om aktuelle arrangementer på vår hjemmeside, Facebook og Instagram.
_
Bilde (utsnitt): Thorbjørn Sørensen. Tulipaner. 2007. Olje på lerret. 100x70 cm
Arrangement av QB Gallery
- -
Sebastian Helling (f. 1975, London) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo (MA), Royal College of Art i London (MA) og London College of Printing (BA).
Kunstnerskapet til Helling har en enorm kraft i komposisjon, farge og forståelse for maleriet. Maleriene består delvis av tradisjonelle «strøk» og delvis av påsprayet maling, og i mellomrommet mellom disse måtene å behandle lerretets overflate oppstår et dirrende spenningsfelt av malerisk mening. Slik all god malerisk ekspressivitet gjør, så er kunstneren fullstendig til stede i maleriene, for er det noe disse maleriene definitivt viser tilbake til, så er det i høyeste grad Helling selv.
Han anerkjennes som en viktig stemme på den internasjonale kunstscenen og er innkjøpt av innflytelsesrike nasjonale- og internasjonale samlinger.
Andrea Scholze (f. 1988, Oslo) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo (BFA, 2011, MFA, 2016).
Scholze arbeider primært med keramikk, men utforsker også i økende grad andre materialer og uttrykk der elementer av biologi og menneskelige sinnsstemninger settes opp mot dyrenes verden. Skulpturene hennes er røft modellerte, ekspressive vesener i skjæringspunktet dyr/menneske. Tanker omkring hvordan det moderne mennesket i større grad fjerner seg fra naturen, for deretter å oppleve å lengte mot den er ofte til stede i verkene hennes. Skikkelsene i keramikk opptrer som bilder av oss selv, og kan frembringe eksistensielle refleksjoner hos betrakteren.
Scholze er innkjøpt av både private og offentlige samlinger, blant annet KODE, Bergen, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Trondheim, Equinor Art Programme, KORO og Oslo Kommunes Kunstsamling.
27.09.24 – 12.01.25
Norsk
(Sinne) Käsin på Vigelandmuseet, er Åsne Kummeneje Mellems hittil mest omfattende utstilling. Tittelen har en dobbelt betydning: På norsk kan det kvenske ordet käsin oversettes til «for hånd» eller «i retning av», mens sinne betyr «dit». Når ordene settes sammen, oppstår den nye betydningen «ditover».
I utstillingen utforsker Mellem käsityö, det tradisjonelle kvenske håndverket som kan kjennetegnes med en pragmatisk bruk av naturmaterialer, ofte i kombinasjon med gjenbruk og kreative løsninger. Denne utforskningen av den hverdagslige håndverksformen er gjennomgående i hennes kunstnerskap, hvor hun stadig undersøker hva käsityö har vært, hva det er i dag, og hvordan glemte tradisjoner kan synliggjøres gjennom nye kunstuttrykk.
Mellems arbeider vises i tre av Vigelandmuseets utstillingssaler. I sal 7 finner vi verket I Never Learned my Mother Tongue (2021), hvor store mengder ulltekstil velter utover gulvet fra en trang boks av tre og glass. Ullstoffet er plantefarget etter gammel skikk med steinlav, som Mellem selv har sanket i kvenske områder. Hun forteller at steinlav, kivijäkälä, vokser tett i enkelte områder, og kan variere i farge og tykkelse: Noen steder vokser den som lyse, tynne flak, andre steder i tykke mørke lag, som om den vokser oppå seg selv. Likevel avgir den en dyp, brun farge på ullstoffet. Slike observasjoner beskriver Mellem i sin utgivelse Oppiit/Omateko (2023). Denne boken kan sees på som en personlig håndbok om käsityö, en samling av kunstnerens egne erfaringer med håndverket.
I sal 11 vises Pehmeä paaro (2024), et verk som både er monumentalt og mykt, og kan minne om en foss av naturfarget ull som faller fra taket og ned på gulvet. Fargen går igjen fra verket I Never Learned my Mother Tongue, men beveger seg også over i gule og grønne toner. Her er det brukt einer, kataja, som tradisjonelt har hatt flere bruksområder, både som medisinplante, trevirke eller juletre i nordlige områder uten andre sorter bartrær.
Vekki (2004) befinner seg i sal 12, og består av tuohi eller bjørkenever. Noe av materialet er sanket selv, kombinert med resirkulert never fra et hustak i Karlsøy. Neveren har tidligere vært et viktig byggemateriale også i kvensk tradisjon, hvor det blant annet ble brukt som isolasjon i vegger og tak, eller til fletting av mindre gjenstander. Mellem beskriver neverarbeidet som en nøysom prosess, hvor hun strimler opp store flak før hun så deler strimlene lag for lag. Det vevde uttrykket kommer fra et opprinnelig ønske om å jobbe med neverfletting. Det lot seg ikke gjøre å lære dette fra et kvensk perspektiv, og hun endte opp med å innføre materialet i veven i stedet. «Det spilte ingen rolle om det var flettet eller vevd. Det spilte ingen rolle om det var perfekt heller. Det viser uansett at kunnskapen er borte» skriver Mellem i Oppiit/ Omateko.
Pehmeä paaro og Vekki har begge kvenske titler. Mellem ser på språket som ryggmargen i enhver kultur, hvor språket - det immaterielle - er avgjørende for kunnskapsoverføring av håndverket - det materielle. Hun innfører derfor kvenske ord og begreper i sin kunstneriske praksis. I Never Learned my Mother Tongue skiller seg ut som en form for pasifisering, en verbalisert sorg over et språk og et håndverk som er sterkt truet. Verket er grunnleggende kritisk og rettet mot fornorskningspolitikken som har bidratt til tapt kunnskapsoverføring av det kvenske språket og kulturen.
Gjennom käsityö ønsker Mellem å skape en arena for dialog og belyse generasjonsgapet i overføringen av kunnskap. Gjennom flere år har hun dykket ned i de kvenske håndverkstradisjonene med et ønske om å revitalisere og videreutvikle tradisjoner som er i ferd med å forsvinne. Ved å spørre seg frem blant folk, om materialer, teknikker og praksiser, har hun jobbet frem et personlig arkiv av fortellinger. Slik bindes hennes praksis til den kvenske kulturen, og til steder, landskap og ressurser. Det tradisjonelle overføres inn i samtidskunsten i mellomrommene hvor hun selv må fylle inn for tapte teknikker og kunnskap.
For Mellem er käsityö mer enn tradisjonelle håndverksteknikker, men en måte å uttrykke tilhørighet på. For konsekvensene av et tapt språk er samfunnsmessige, men konsekvensene av et tapt morsmål er personlig. (Sinne) käsin betyr «ditover», og Mellem beveger seg sakte mellom det som en gang var, det som er og det som skal bli. Ditover.
//
Kvensk
(Sinne) Käsin Vigelandinmuseumissa oon Åsne Kummeneje Mellemin tähän asti laajin näyttely. Tittelillä oon kahđenkertainen merkitys: Sana käsin meinaa sekä käsin tekemistä, ette liikettä johonki päin. Käsitet sinne käsin saa näin uuđen merkityksen.
Mellem tutkii näyttelyssä perintheistä kvääniin käsityötä, jonka tunnistaa pragmaattisesta luononmateriaalin käytöstä, ushein kombinasuunissa uuđestipitämisen ja kreatiivisten ratkaisuitten kans. Tämä tutkiminen päivälisen käsityön ympäri toistuu hänen työssä, jossa hän jatkuuvasti tarkastellee mitä käsityö oon ollu, mitä se oon tääpänä, ja kunka unheetetut tradisuunit saatethaan tehđä näkkyyväksi uussiin taiđetilmaisuitten avula.
Mellemin työt näytethään kolmessa Vigelandinmuseumin näyttelysaalissa. Saalissa 7 löyttyy värkki I Never Learned my Mother Tongue (2021), jossa suuri paljous villatekstiilii puđottaa lattiile ahthaasta klasiloovasta. Villakangas oon kasvifärjätty vanhaasseen taphaan kivijäkälällä jota Mellem oon kovonu perintheisilä kainulaisila seuđuila. Hän muistelee ette kivijäkälä kassuu joissaki paikoissa tihheenä, ja ette färi ja paksuus vaihetelhaan: Joissaki paikoissa vaaleina, ohukaisina hitusinna, toisissa taasen paksuina tummina kertoina, ko ette se kasuis ittensä päälä. Kuitenki siitä tullee syvä, pruuni färi villakankhaale. Tällaissii havainttoi Mellem kuvvailee hänen ulosannossa Oppiit/Omateko (2023). Tämän kirjan saattaa nähđä persoonallisenna käsikirjana käsityön ympäri - kokhoonpano taitheiliijan omista kokemuksista käsityön kans.
Saalissa 11 näytethään Pehmeä paaro, värkki joka oon sekä monumenttaalinen ette pehmeä, ja saattaa muistuttaat köngästä, joka puđottaa katosta lattiile.Värkin I Never Learned my Mother Tongue färit toistuthaan, mutta net kans muutelhaan keltaisiksi ja vihrisiksi sävyiksi. Färjäämisheen oon käytetty katajaa, jolla perintheisesti oon ollu monta käyttöö; metesiinikasvina, puumateriaalinna, ja joulupötäjänä pohjaisessa mistä ei löytyny muuta sorttii hakopuuta.
Vekki oon saalissa 12, ja oon tehty koivun tuohesta. Osa materiaalista oon itte kovottu, kombinasuunissa uuđestipiđetyn tuohen kanssa peräsin huonheen katosta Kalsassa. Tuohi oon ennen ollu tärkkee rakenusmateriaali kvääniin tradisuunissa, jossa sitä oon käytetty muun myötä isolasuuninna seinissä ja katoissa, eli pieniin tinkkoin palmikoimisheen. Mellem kuvvailee tuohityötä tarkkana prosessinna, jossa hän alusti jakkaa suuret tuohipaltot nauhoiksi, ennen ko jakkaa nauhat kerta kerralta. Väävätty ilmaisu tullee toivheesta työtelä tuohipalmikoimisen kans. Ei ollu mahđolista oppiit tätä kainulaisesta perspektiivistä, niin lopuksi hän otti materiaalin väävhiin sen sijasta. “Ei ole tärkkee, oonko se palmikoitu eli väävätty. Eikä ole tärkkee, oonko se täyđelinen. Joka taphauksessa se näyttää ette tieto oon kađonu” kirjoittaa Mellem Oppiit/ Omateko:ssa.
Värkiilä Pehmeä paaro ja Vekki oon molemilla kvääninkieliset tittelit. Mellem näkkee kielen jokhaisen kulttuurin ytimennä: Kieli, joka oon ei-materiaalinen, oon tärkkee materiaalisen käsityön tieđon siirole. Siksi hän ottaa kväänin sannoi ja käsittheitä hänen taitheesheen. I Never Learned my Mother Tongue erottuu verbaaliseerattunna suruna vahvasti uhatusta kielestä ja käsityöstä. Värkki oon pohjananttaavasti kriittinen ja suunittaa ittensä ruijalaistamispolitikkiin, josta oon seurannu kađotettu tieđonsiirto kväänin kielestä ja kulttuurista.
Käsityön avula Mellem halluu luođa areenan dialoogile, ja näyttää sukupolviin välisen kuilun tieđon ja ossaamisen siirossa. Hän oon monta vuotta perehtyny kvääniin käsityötradisuunhiin, toiveena elästyttäät ja kehittäät tradisuuniita jokka oon hävviimässä. Kysymällä ihmisiltä materiaaliista, teknikiistä ja käytänöistä, hän oon pykäny ittele persoonallisen muistelusarkiivin. Näin hänen työtely liittyy kväänin kulttuurhiin, paikkhoin, maisemhiin ja resurshiin. Perintheinen liittyy nykytaitheesseen niissä väliissä, joissa hänen häyttyy itte täyttää ja kompenseerata kađotetuista teknikiistä ja tieđosta.
Mellemille käsityö oon muutaki ko perintheistä teknikkii, se oon kans tapa ilmaista yhtheenkuuluvuutta. Kađotetun kielen konsekvensit oon yhtheiskunnaliset, mutta kađotetun äiđinkielen konsekvensit oon persoonalliset. Mellem liikkuu hiljaa menheen, olleevan ja tulleevan välilä. Sinne käsin.
Arrangement av Galleri Briskeby og Sindre Goksøyr
Noel er kjent fra Goksøyrs tidligere bokutgivelse "Hrmf!", som vant SPROING-prisen for beste norske tegneserie i 2011.
En uke før åpning, torsdag 31. oktober, slippes Goksøyrs nye bokutgivelse "Pfft!" på No Comprendo Press. En helaftens tegneseriebok der vi også møter Noel i et ganske strevsomt liv, både som barn og voksen. Lenke til slippfesten her: https://www.facebook.com/events/1177022053401314
Sindre Goksøyr (f. 1975) er billedkunstner, illustratør og tegneserietegner. Han er en del av kunstnerkollektivet Dongery, som foruten å lage hundrevis av fanziner og bøker har hatt en rekke utstillinger i inn og utland. Han har en rekke separatutstillinger bak seg hvor han hovedsaklig har vist grafikk og skulptur. Han jobber mye med konsert -, teaterplakater og platecovere, og har et tett samarbeide med artisten Sex Judas.
Sindre Goksøyr har stilt ut hos Galleri Briskeby tre ganger tidligere, sist i 2021 med utstillingen «Vil du hengi deg til Kama Sutra med meg» sammen med Christopher Nielsens «Lev vel – lev hårete».
Flere av silketrykkene vil også være tilgjengelig for salg i vår nettbutikk, etter at utstillingen har åpnet.
Utstillingen står til 1. desember.
Arrangement av Ferd Eiendom og Mesén
Sted: 3KT, Dokkveien 3, Oslo
Oppdragsgiver: Ferd
Tomorrow av Johannes Høie på 3KT strekker seg over et 20 meter langt lerret og fremviser kunstnerens lek med monumentalmaleriets historiske røtter: Mens penselstrøkene beveger seg mellom den nordeuropeiske renessansens grafikkunst og østlig kalligrafi, bringer fargene inn et tilsnitt av lekenhet og surrealisme.
Tomorrow av Johannes Høie. Foto: Jon Gorospe
Motivmessig trekker Høie inn mange naturelementer, og skaper unike situasjoner omkranset av brusende bølger og drivende skyer hvis dynamiske kraft synes å anspore til nye forbindelser mennesker imellom, og med naturen selv. Verket er bygget opp av en serie motiver som dekker hele forgrunnen, og som utgjør mindre historier eller skaper små øyeblikk. På denne måten gir komposisjonen også uttrykk for en økonomisering av billedflaten vi kjenner fra middelalderen og renessansens billedkunst, som Høie også aktivt forholder seg til i en ekspressiv nåtidsversjon av den monumentale kunsten. Motivene bærer gjerne på henvisninger til religion og myter, men er likefullt åpne og fabulerende. De følger etter hverandre uten noen entydig narrativ sammenheng – som i et freskomaleri hvor sekvenser av motiver ble plassert i samme billedrom og utgjorde et felles, fortett narrativ, selv om de foregikk til ulike tider eller på ulike steder.
Sentralt i kunstverket står et møte mellom en eldre mann med blått hår og rød skjorte og en yngre gutt som er fullstendig malt i gult, noe som gir ham et åndelig anstrøk. Der hendene deres møtes svever noe underlig, hvitt og lysende, som et slags balansepunkt eller mystisk utspring. Fra Adams skapelse til Noli me tangere er kunsthistorien full av slike nesten-berøringer, et motiv som ikke minst får sin relevans som formidler av det skapende, overraskende og nye. Kanskje skal vi lese Høies hvite lys som en utveksling mellom generasjoner eller samhandling mellom to verdener?
Arrangement av S9 GalleriHun startet sin kunstneriske reise i ungdommen og fortsatte i voksen alder ved Nydalen Kunstskole. Etter en lengre pause fra kunsten fant hun tilbake til staffeliet for noen år siden. Siden den gang har hun utviklet sin unike stil gjennom ulike kurs med kunstneren Cathy Mevik, samt de USA-baserte kunstnerne Cat Tesla og Julie Schumer.
Marianne har en energisk og effektbasert maleform, noe som gir et helt unikt og personlig billedspråk. Hun søker å uttrykke en utemmet livsglede gjennom sine malerier og er opptatt av kontraster, strukturer, farger og linjer for å formidle dette. I hennes maleprosess har hun en leken og eksperimentell tilnærming, hvor fokuset ligger både på den kreative prosessen som sluttresultatet i seg selv. Gjennom abstrakte former og kraftfulle penselstrøk inviterer hun betrakteren til å tolke og oppleve kunsten på et personlig plan.
Hun beskriver sin kunst slik: “Jeg ønsker å uttrykke energi og en utemmet livsglede gjennom det abstrakte bildespråket. Jeg liker å bruke kontraster, fra store, raske og energiske penselstrøk til de mindre strekene. På den måten ønsker jeg å gi betrakteren friheten til å utforske og oppdage noe nytt hver gang man ser på maleriet, nesten som når man ser seg bort i skyenes skiftende former.”
Om utstillingens tittel sier hun følgende: "Utstillingens tittel har bakgrunn i spørsmålet jeg fikk om hva temaet for min kommende utstilling skulle være. Dette er noe gallerister ofte er opptatt av. Men sannheten er at jeg ikke har noe spesifikt tema; jeg maler det jeg har lyst til å male, og derfor er alle mine malerier ganske forskjellige. Den eneste røde tråden er meg- som kunstner.
Denne refleksjonen fikk meg til å tenke på hvordan mange i dagens samfunn streber etter det perfekte. Det er et konstant press om å pass inn i en bestemt mal. Det gjelder både hvordan man skal være og hva man skal gjøre. Dette presset kan føre til mye stress og misnøye. Å omfavne våre ufullkommenheter og være tro mot oss selv kan være en kraftig motgift til dette presset. Vi trenger ikke streve etter perfeksjon. Det er helt greit å være den du er; It’s Okey!"
Velkommen til vernissage lørdag 2. november kl. 15:00 til 17:00 !
Åpningstider ellers: Onsdag til søndag, 13:00 til 17:00
Utstillingen kan oppleves t.o.m. 14. november.
Arrangement av Grini Mølle
Lørdag 9. og søndag 10. november kl 12-16 åpner vi igjen dørene på Grini Mølle og ønsker velkommen til vårt labyrintiske bygg! Den store mursteinsbygningen ved fossen i den idylliske Grinidammen rommer et mangfold av kreative virksomheter. Her jobber vi med billedkunst og skulptur, møbler og smykker, tepper og tekstil, kort og puslespill, snekring og yogatimer - vi nevner i fleng. Alle interesserte inviteres til å komme innom for å se hva som foregår og slå av en prat med kreative utøvere. Mange av aktørene har for anledningen gode tilbud, så det blir også anledning til å finne noen fine julegaver.
Legg gjerne helgeturen langs Lysakerelva og kom innom Grini Mølle på veien. Velkommen til oss!
Adresse: Grini Mølle, Grinidammen 10, 1359 Eiksmarka
T-bane 2 til Ekraveien eller buss nummer 32 / 140
Gratis inngang. Parkeringsmuligheter.
Arrangement av Astrup Fearnley MuseetThoresens kunstneriske praksis bygger på samiske design- og håndverkstradisjoner, som blant annet vektlegger improvisasjon og gjenbruk av materialer. Hennes nye installasjon Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den vises i en av museets største utstillingssaler i 2. etasje av bygget der Astrup Fearnley-samlingen er utstilt.
"Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den" er bestilt og produsert av Astrup Fearnley Museet med støtte fra Sparebankstiftelsen DNB Kunsten i Dag.
_
Welcome to the opening of Silje Figenschou Thoresen’s "Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den" (A quiet and protected water, the layers above it, passing undisturbed) Wednesday September at 18:00!
Free and open for all but sign up required, refreshments will be served. Sign up here: https://afmuseet.ticketco.events/.../aapning__silje...
At 19:00 there will be a short conversation between Silje Figenschou Thoresen and curator Owen Martin on the first floor of the Astrup Fearnley Collection display.
Thoresen’s work draws upon Sámi design traditions emphasizing improvisation and the re-purposing of existing materials. Her new installation Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den will be on view in one of the museum’s largest galleries, on the second floor of The Astrup Fearnley Collection display.
"Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den" is commissioned and produced by Astrup Fearnley Museet and funded by Sparebankstiftelsen DNB Kunsten i dag.
Arrangement av Norsk Selskap for Orientalsk Keramikk - NSOK
Velkommen til salgsmesse med blant annet orientalsk porselen, brukskunst, tekstiler og bøker til hyggelige priser!
I tillegg til salgsmessen hvor våre medlemmer selger noe fra sine samlinger, så blir det:
Antikkrunde og God/Bedre/Best-konkurranse.
Faglige mini-foredrag av foreningens eksperter.
Verdivurdering av medbragte gjenstander.
Messecafé.
Se fullt program lenger ned på denne side.
Når Norsk Selskap for Orientalsk Keramikk (NSOK) åpner sin messe på Schafteløkken søndag 3. november, kan publikum få møte eksotisk og vakkert kunsthåndverk fra Orienten, som spenner fra Midtøsten til Det fjerne østen. Her vil symboler og farger fortelle århundregamle historier fra fremmede kulturer.
Foreningens lidenskapelige samlere vil gjerne dele sin fascinasjon med en bredere krets og arrangerer derfor åpent hus med gratis adgang. Hensikten er at flere skal bli kjent med kunsthåndverk fra Østen og med foreningen Norsk Selskap for Orientalsk Keramikk.
Det blir anledning til å få vurdert arvegods og egne innkjøp mot et mindre gebyr – gi gjerne beskjed på forhånd. «God-Bedre-Best»-konkurranse får vi også.
Programmet byr videre på faglige mini-foredrag av foreningens eksperter og på de mange bodene i lokalet blir det anledning til å studere det orientalske porselenet på kloss hold, kanskje også få kjøpt med seg en godbit hjem. Spiselige kinesiske godbiter kan nytes i vår lille messe-bistro i den røde salongen.
12.00 Dørene åpner
12.30 Arrangementet åpnes av styreleder i NSOK, Anne Håbu.
12.40 Japansk kotospill. Musikalsk innslag ved kotospiller Liv Lande.
12.50 Hvilken gjenstand er GOD – BEDRE – BEST?
Konkurranse ved Knut Myrer, NSOKs æresmedlem og ekspert fra Blomqvist auksjoner.
Spennende premier!
13.00 Innlevering av gjenstander til «Antikkrunden» på NSOKs stand. Siste frist!
13.30 Japansk kotospill. Musikalsk innslag ved kotospiller Liv Lande.
13.40 Finn roen gjennom Ikebana dekorasjon og hagekunst! Lisbeth Lerum, som har en av de høyeste gradene i Ikebana kunsten, gir oss en introduksjon.
14.30 Kobolt gjennom 500 år! Ved ekspert fra Blomqvist, Ingrid Birch Eide.
15.00 NSOKs egen Antikkrunde. Ekspertene Knut Myrer og Ingrid Birch Eide vurderer asiatisk keramikk og kunst sammen med publikum.
15.30 Hvem vinner årets GOD – BEDRE – BEST konkurranse? Resultatet er nå klart!
17.00 NSOK-dagen er over.
Salg av mat, kaker og ka e/te gjennomhele dagen i NSOKs kafé.
Gratis inngang — Velkommen!
Velkommen til Schafteløkken enten du er samler, interessert i orientalsk kunst eller bare nysgjerrig!
Salgsmesse med blant annet orientalsk porselen, brukskunst, tekstiler og bøker til hyggelige priser!
Salg av mat, kaker og ka e/te gjennomhele dagen i NSOKs kafé.
Mer om NSOK: http://www.orientalskkeramikk.com/om-nsok.html
Kontaktpersoner:
Tore Hagen, telefon 924 25 530, epost torhag@online.no
Knut Myrer, telefon 915 56 793, epost edokunst@online.no
Schafteløkken ligger like ved Frogner plass, der det er holdeplasser for både buss (nr 20) og trikk (nr 12). 50 meter å gå inn Solheimsgaten fra Thomas Heftyes gate
Arrangement av S9 GalleriHun startet sin kunstneriske reise i ungdommen og fortsatte i voksen alder ved Nydalen Kunstskole. Etter en lengre pause fra kunsten fant hun tilbake til staffeliet for noen år siden. Siden den gang har hun utviklet sin unike stil gjennom ulike kurs med kunstneren Cathy Mevik, samt de USA-baserte kunstnerne Cat Tesla og Julie Schumer.
Marianne har en energisk og effektbasert maleform, noe som gir et helt unikt og personlig billedspråk. Hun søker å uttrykke en utemmet livsglede gjennom sine malerier og er opptatt av kontraster, strukturer, farger og linjer for å formidle dette. I hennes maleprosess har hun en leken og eksperimentell tilnærming, hvor fokuset ligger både på den kreative prosessen som sluttresultatet i seg selv. Gjennom abstrakte former og kraftfulle penselstrøk inviterer hun betrakteren til å tolke og oppleve kunsten på et personlig plan.
Hun beskriver sin kunst slik: “Jeg ønsker å uttrykke energi og en utemmet livsglede gjennom det abstrakte bildespråket. Jeg liker å bruke kontraster, fra store, raske og energiske penselstrøk til de mindre strekene. På den måten ønsker jeg å gi betrakteren friheten til å utforske og oppdage noe nytt hver gang man ser på maleriet, nesten som når man ser seg bort i skyenes skiftende former.”
Om utstillingens tittel sier hun følgende: "Utstillingens tittel har bakgrunn i spørsmålet jeg fikk om hva temaet for min kommende utstilling skulle være. Dette er noe gallerister ofte er opptatt av. Men sannheten er at jeg ikke har noe spesifikt tema; jeg maler det jeg har lyst til å male, og derfor er alle mine malerier ganske forskjellige. Den eneste røde tråden er meg- som kunstner.
Denne refleksjonen fikk meg til å tenke på hvordan mange i dagens samfunn streber etter det perfekte. Det er et konstant press om å pass inn i en bestemt mal. Det gjelder både hvordan man skal være og hva man skal gjøre. Dette presset kan føre til mye stress og misnøye. Å omfavne våre ufullkommenheter og være tro mot oss selv kan være en kraftig motgift til dette presset. Vi trenger ikke streve etter perfeksjon. Det er helt greit å være den du er; It’s Okey!"
Velkommen til vernissage lørdag 2. november kl. 15:00 til 17:00 !
Åpningstider ellers: Onsdag til søndag, 13:00 til 17:00
Utstillingen kan oppleves t.o.m. 14. november.
Arrangement av S9 Galleri
Det var i juli 1994 at Anny Langer ankom Norge, og Oslo, med to kofferter, en ryggsekk og en sykkel om bord i Kielfergen. Med i bagasjen hadde hun et lite sett med tegnesaker og akvarell-farger som ble flittig brukt på det lille rommet hos vertsfamilien.
Første gang hun stilte ut i Norge var i den tyske menigheten på Majorstuen, Oslo i 1996. Nå, 30 år senere har hun stilt ut sine verk i en rekke utstillinger både i Norge og utlandet, senest i fjor i London Art Biennale.
Utstillingen viser et utvalg av verk og tema som Anny Langer har jobbet med siden hun kom til Norge.
Hun tiltrekkes av et figurativt uttrykk som hun jobber med gjennom fotografi, maleri, tegning og grafiske teknikker. Hun bruker sine egne fotografier i sine grafiske verk, og som inspirasjon til sine malerier og tegninger. Hun jobber ut fra hendelser og sosiale temaer som berører henne. Natur og bymiljø er ofte temaer i verkene.
Velkommen til vernissage lørdag 19. oktober kl. 15:00 til 17:00 !
Åpningstider ellers: Onsdag til søndag 13:00 til 17:00.
Utstillingen kan oppleves t.o.m. 31. oktober.
September 28 — November 2 2024
what is the money-to-life exchange rate the market price of a license to extract reality the selling price for sentience and the vast unknown—the energies beyond human that we live within?
McGeorge’s watercolors, directly drawn from her sketchbooks, capture her first-hand encounters with diverse environments, including a vast coal mining landscape in Colombia, indigenous succulents growing in diamond-mined sand in Namibia, lichen species adapted to heavy metal runoff from mines in Røros, and bird cliffs in Northern Norway. The double-page spreads from her sketchbooks reveal a profound connection with these sites, serving as intimate ‘fieldnotes,’ where the flowing watercolors allow motifs—such as eyes, hands, leaves, and seeds—to transform and merge.
During the exhibition, McGeorge will launch her new book, crwa, a travel journal that combines texts, video stills, and watercolors. The book interweaves fictional and factual narratives, offering deeper insights into her environmental observations. An artist talk, delving into this material, with McGeorge and art historian Marit Paasche, will take place on the exhibition’s final day, Saturday, November 2nd at 1pm.
The exhibition at Femtensesse coincides with McGeorge’s solo exhibition at Kunstnerforbundet in Oslo this fall, where she will present works in various media that expand upon her fieldnotes, including painting, video and tapestry.
Eline McGeorge (b. 1970, Asker) lives and works in Oslo, Norway. She holds a Master of Fine Arts from Goldsmiths University of London. Recent solo exhibitions include Here Between Worlds (2020), and On Joint Flight Lines (2018), Hollybush Gardens, London; As Spaces Fold, Companions Meet, Oslo Kunstforening (2016), Oslo; and Among Familiar Strangers and Surveilled Places, Fotogalleriet, Oslo (2007). Her work has been featured in group exhibitions, such as fluene får øye på oss i det høye gresset, Femtensesse, Oslo (2024); Our Silver City, 2094, Nottingham Contemporary, Nottingham (2021); Future Knowledge, Modern Art Oxford, Oxford (2018); Rivers of Emotion, Bodies of Ore, Trondheim Kunsthall, Trondheim (2018); Ode to a washcloth, hymn to a tiger; Kunstnerforbundet, Oslo (2017) and Stavanger Kunsthall, Stavanger (2018); and We Are Living on a Star at Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden (2014).
This exhibition is kindly supported by Arts Council Norway.
Storgata 36a
NO-0182 Oslo
+47 414 29 679
info@femtensesse.no
Arrangement av RAM galleriThe title “A Chain in Motion” refers both to the ways in which memories are transformed into personal and collective narratives, and the processes behind remembering and forgetting. The title also refers to the way the project took place.
The artists created a three-step system which enabled them to develop an ever-growing installation. They worked on the system during their one-month residency at Atelier Austmarka, which started and has evolved as follows:
1) Each artist presented one artwork as a starting point based on their own idea of Memory. The three artworks had different motifs, concepts, shapes, and materiality, which allowed a fluid exchange of ideas.
2) The second stage in the process consisted on creating responses to each of the first artworks. It was determined that One would create an artwork as a response to Elisa´s artwork; Elisa would create an artwork as a response to Alejandra´s artwork; and Alejandra would create an artwork as a response to One´s artwork.
3) The third stage consisted in presenting the responses to each other and repeat the chain, but now responding to the second artworks and changing the order of the chain. During the residency the artists repeated the chain four times. Even though the core of their practices revolves around the concept of Memory, the artworks produced so far were greatly inspired by their surroundings, the narratives and history of Finnskogen and Austmarka, as well as a constant dialogue between their chosen mediums: photography, drawing, and ceramic.
Alejandra Aguilar Caballero
(b. 1989, Mexico City) is a printmaker and visual artist based in Norway. She holds an MFA from the Oslo National Academy of the Arts and a BFA from UNAM, Mexico. Her work explores memory through material and conceptual art. She has exhibited widely in Norway and internationally, with upcoming shows at Østfold Kunstsenter. She has received awards such as the Printmaking Today Student Prize (2021) and various Norwegian art stipends.
Onė Austėja Maldonytė
(b. 1995, Kaunas, Lithuania) is a multidisciplinary artist working in ceramics, installation, and drawing. Based in Oslo, she holds an MFA from the Oslo National Academy of the Arts and a BFA from the Vilnius Academy of Arts. Her work explores themes of memory and materiality, with recent exhibitions in Norway and Lithuania. She has received grants from Norwegian arts institutions and will undertake a residency at Atelier Austmarka in 2024.
Elisa Halvorsen Castillo
(b. 1990, Santiago de Chile) is an artist and designer focused on photography, printmaking, and installation. She holds an MFA from the Oslo National Academy of the Arts and a degree in Industrial Design from UTEM, Chile. Her work explores technology and memory, with exhibitions in Norway and Chile. She has received support from Kulturdirektoratet and Norske Grafikeres for her artistic projects.
Arrangement av FormatUtstillinger 26. september – 3. november 2024. En smykkeutstilling i sølv og tre, som utforsker temaene vekst, kjærlighet og reparasjon.
Tittelen reflekterer et gjennomgående tema i alle Behrens' smykker, med en finstemt balanse mellom hvor formen skal slutte og den eksakte målingen av rommet imellom. Millie Behrens bygger sine smykker bit for bit til en følelse av balanse er oppnådd.
Igjen står trær og vekst sentralt, der spenningen mellom organisk form og konstruksjon gjentas som et gjennomgående tema. Behrens henter inspirasjon fra naturen og er spesielt interessert i hvordan tiden setter sine spor på alt rundt oss, som sporene ploger etterlater i jorden og greners strukturerte vekst, der myke linjer møter streng geometri.
Hun er også fascinert av prosessen der naturen gjenvinner menneskeskapte strukturer, hvor trær og skog erstatter jern og betong. Sølv er hennes hovedmateriale, ofte kombinert med andre materialer som gull, tre, perler og steiner.
De siste årene har Behrens arbeidet mye med tre, og i denne utstillingen presenterer hun et utvalg av disse arbeidene, i tillegg til en serie i sølv. Tematisk er seriene knyttet gjennom et stilisert formspråk og et fokus på betydningen av "rommet imellom."
Utstillingen inkluderer brosjer, anheng og armbånd.
Millie Behrens (født 1958) er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo og har fullført studier ved Nova Scotia School of Art and Design i Canada, samt Haystack Mountain School of Crafts i Maine, USA, under Jamie Bennett. Hun bor og arbeider i Slependen, nær Oslo. Behrens har hatt flere separatutstillinger på Kunstnerforbundet og gallerier som Lillestrøm Kunstforening, Sandefjord Kunstforening, Hå Prestegård og Bærum Kunstforening, og har deltatt i en rekke utstillinger både i Norge og internasjonalt, inkludert The Metropolitan Brewery i New York, Scottish Gallery i Edinburgh, Peder Balke-senteret, Collect i London, Louvre i Paris og Röhsska museet i Göteborg.
Foto: Joachim Lagercrantz
/
Málfríður Aðalsteinsdóttir har en dyp tilknytning til naturen, fra de minste detaljer til det storslåtte, majestetiske og vakre. Ved hjelp av tradisjonelt håndverk broderer hun tegninger som hun håper vil vekke refleksjoner hos betrakteren.
Aðalsteinsdóttir har flyttet ut av Oslo og bosatt seg ved fjorden, omgitt av skog. Skogen har blitt viktig for henne, både som inspirasjonskilde og som kilde til materialer for plantefarging. Hun vandrer i skog, fjell og langs sjøen, og observerer endringer i naturen. Det islandske landskapet hun kommer fra består av grønne daler, karrig og robust fjellterreng, vidstrakte sletter, isbreer og svart sand. Nå føler hun at skogen er hennes element. Grensen mellom sivilisasjon og natur endrer seg raskt, og urørte naturområder blir mindre. Menneskelig aktivitet krever plass og endrer miljøet og levevilkårene for et økende antall arter. De mektige og vakre isbreene, som er kilder til ferskvann for planeten, krymper. Våtmarker dreneres og graves ut, gamle skoger forsvinner, og hogst ødelegger biologisk mangfold.
Aðalsteinsdóttir kombinerer ull og hestehår i sine broderte tegninger. Hun bruker både de naturlige fargene fra forskjellige saueraser og plantefarget ull, som deretter blir kardet før ønsket tråd spinnes. Slik tar tegningene hennes form. Eldre håndverkstradisjoner som involverer en nær forbindelse mellom hånd og materiale, respekt for naturressurser, og den tidkrevende prosessen med håndarbeid, er grunnleggende for hennes praksis. Materialene hun bruker er lokalt hentet, biologisk nedbrytbare og kan vende tilbake til naturen. I hennes utstillinger skapes det en stemning av natur, der både motivene og materialene er hentet fra skogen.
Málfríður Aðalsteinsdóttir (født 1960, Island) bor og arbeider i Norge. Hun er utdannet ved SHKS (Statens håndverks- og kunstindustriskole) i Oslo. Hun har hatt flere separatutstillinger både i Norge og utlandet, og har deltatt i en rekke gruppeutstillinger i Norge, Island, Danmark, Sverige, Portugal, Tyskland, Polen, Belgia, Hellas og Baltikum. Hennes verk er innkjøpt av Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Oslo Kommunes Kunstsamlinger, Islands Designmuseum og diverse private samlinger.
Aðalsteinsdóttir var initiativtaker og kurator for iVesturveg, et samarbeidsprosjekt mellom kunstnere og museer i Shetland, Færøyene, Island, Norge og Danmark. Utstillingen ble vist på KODA, Nordens Hus på Island og Færøyene, Shetland Museum og Det Nordatlantiske Hus i København. I 2022 var hun utstillingsleder for den norske utstillingen på CONTEXTILE 2022 | Internasjonal biennale for samtidskunst i Portugal. Dette var et samarbeid mellom Norske Tekstilkunstnere og biennalen, kuratert sammen med Cláudia Melo, kuratoren for Contextile 2022.
/
I Matilde Duus’ nyeste verk finner vi en interesse for det flytende og det flyktige; i gjennomsiktig glass som i flytende form kan strømme til små innsjøer eller stivne til dråpeformer, som tårer på en kinn. Utstillingen tar for seg temaer knyttet til vann, havet, dypet, strømmen, overflod, oversvømmelse, øyet, vann i øyet og linser overveldet av tårer. Disse temaene uttrykkes gjennom materialer som glass, bronse og silke. Gjennom et estetisk poetisk formspråk reflekterer utstillingen En dag blir strømmen langsommere over naturens ressurser, som både er vitale og livgivende, men samtidig dystre og truende – spesielt når de betraktes i lys av den pågående klimakrisen. Det skapes en slags kunstig landskap der flytende og smeltende prosesser er stoppet. Tårer, is, vann – noen av de viktigste elementene i vår natur.
Matildes kunstneriske praksis inkluderer både veggbaserte og skulpturelle verk, som alle er uttrykk for det mest grunnleggende elementet i hennes praksis: utforskningen av de romlige kvalitetene innenfor det todimensjonale. Hennes foretrukne materiale er glass, ofte kombinert med andre materialer som metall, naturstein, papir eller fotografisk materiale.
Matilde Duus (f. 1983, Aarhus, DK) er en billedkunstner utdannet ved Det Kongelige Danske Kunstakademi (2008-2014) og Valand Akademi, Göteborgs universitet (2012). Matilde har nylig hatt separatutstillinger på Bricks Gallery, DK (COMFORT, 2023), M100, DK (The Last Winter, 2021), og Magasin Lotus, DK (Collecting Hole, 2018), samt deltatt i gruppeutstillinger på S12 Galleri (Bergen, 2022), Galerie MøllerWitt (København, 2021) og Marie Kirkegaard Galleri (København, 2021). Kunstnerens verk er representert i offentlige samlinger, inkludert Statens Kunstfond og Københavns Kommune. Offentlige og stedspesifikke verk inkluderer Banedanmark, Ringsted, Danmark (2020), UCSyd, Kolding, Danmark (2022), og Sydhavnskvarteret, Aarhus, Danmark (kommende). Matilde Duus er representert av BRICKS Gallery, København, DK.
Utstillingen er kuratert av: Henriette Noermark.
Exhibitions 26 September - 3 November 2024
Welcome to the opening Thursday 26 September at 6 pm.
Opening speech by art critic and journalist Lars Elton.
MILLIE BEHRENS
Rommet imellom / The Space in Between
A jewelry exhibition in silver and wood, exploring themes of growth, love, and repair.
The title reflects a common theme in all of Behrens jewelry, with a finely tuned balance of where the form should end and the exact measurement of the space between. Millie Behrens builds her jewelry piece by piece until a sense of balance is achieved.
Once again, trees and growth are central, where the tension between organic form and construction recurs as a consistent theme. Behrens draws inspiration from nature and is particularly interested in how time leaves its mark on everything around us, such as the furrows left by plows in the earth and the structured growth of branches, where soft lines meet strict geometry.
She is also fascinated by the process in which nature reclaims human-made structures, where trees and forests replace iron and concrete. Silver is her primary material, often combined with other materials such as gold, wood, pearls, and stones.
In recent years, Behrens has worked extensively with wood, and in this exhibition, she presents a selection of these pieces, along with a series in silver. Thematically, the series are linked through a stylized formal language and a focus on the significance of "the space in between."
The exhibition includes brooches, pendants, and bracelets.
Millie Behrens (born 1958) was educated at the Oslo National Academy of the Arts and completed study programs at the Nova Scotia School of Art and Design in Canada, as well as the Haystack Mountain School of Crafts in Maine, USA, under Jamie Bennett. She lives and works in Slependen, near Oslo. Behrens has held several solo exhibitions at Kunstnerforbundet and galleries such as Lillestrøm Art Center, Sandefjord Art Association, Hå Prestegård, and Bærum Art Association, and has participated in numerous exhibitions both in Norway and abroad, including The Metropolitan Brewery in New York, Scottish Gallery in Edinburgh, Peder Balke Center, Collect in London, the Louvre in Paris, and the Röhsska Museum in Gothenburg.
Photo: Joachim Lagercrantz
/
MÁLFRIÐUR AÐALSTEINSDOTTIR
Stemning / Atmosphere
Málfríður Aðalsteinsdóttir is deeply connected to nature, from the smallest details to the grand, majestic, and beautiful. Using traditional handicrafts, she embroiders drawings that she hopes will evoke reflections in the viewer.
Aðalsteinsdóttir has moved out of Oslo and settled by the fjord, surrounded by the forest. The forest has become important to her, both as a source for inspiration, but also as a source of materials for plant-based dyeing. She roams the forest, mountains, and sea, observing changes in nature. The Icelandic landscape she originates from consists of green valleys, barren and rugged mountain terrain, wide expanses, glaciers, and black sand. Now, she feels that the forest is her element. The boundary between civilization and nature is changing rapidly, and untouched natural areas are shrinking. Human activity requires space and is altering the environment and the living conditions for an increasing number of species. The mighty and beautiful glaciers, which are sources of fresh water for the planet, are shrinking. Wetlands are being drained and excavated, ancient forests are disappearing, and clear-cutting is destroying biodiversity.
Aðalsteinsdóttir combines wool and horsehair in her embroidered drawings. She uses both the natural colors of different sheep breeds and plant-dyed wool, which is then carded before the desired thread is spun. This is how her drawings take shape. Older craft traditions that involve a close connection between the hand and the material, respect for natural resources, and the time-consuming aspect of handmade work are fundamental to her practice. The materials she uses are locally sourced, biodegradable, and can return to nature. In her exhibitions, an atmosphere of nature is created, where both the motifs and materials are derived from the forest.
Málfríður Aðalsteinsdóttir (born 1960, Iceland) lives and works in Norway. She is a graduate of SHKS (Oslo National College of Art and Design) in Oslo. She has held several solo exhibitions both in Norway and abroad, and has participated in numerous group exhibitions in Norway, Iceland, Denmark, Sweden, Portugal, Germany, Poland, Belgium, Greece, and the Baltic countries. Her work has been acquired by Nordenfjeldske, the Oslo Municipal Art Collections, the Icelandic Design Museum, and various private collections.
Aðalsteinsdóttir was the initiator and curator of iVesturveg, a collaborative project between artists and museums in Shetland, the Faroe Islands, Iceland, Norway, and Denmark. The exhibition was shown at KODA, the Nordic House in Iceland and the Faroe Islands, Shetland Museum, and the North Atlantic House in Copenhagen. In 2022, she was the exhibition manager for the Norwegian exhibition at CONTEXTILE 2022 | International Contemporary Textile Art Biennial in Portugal. This was a collaboration between the Norwegian textile artists and the biennial, curated together with Cláudia Melo, the curator of Contextile 2022.
/
MATILDE DUUS
En dag blir strømmen langsommere / One Day the Current Will Slow Down
In Matilde Duus' recent work, we find an interest in the fluid and the fleeting; in transparent glass that, in liquid form, can flow into small lakes or solidify into droplet shapes, like tears on a cheek. The exhibition addresses themes related to water, the sea, the deep, the current, abundance, flooding, the eye, water in the eye, and lenses overwhelmed by tears. These themes are expressed through materials like glass, bronze, and silk. Through an aesthetically poetic language of form, the exhibition One Day the Current Will Slow Down reflects on nature's resources, which are both vital and life-giving, yet at the same time grim and threatening - especially when viewed in light of the climate crisis we are currently facing. It creates a sort of artificial landscape where flowing and melting processes have been halted. Tears, ice, water -some of the most important elements in our nature.
Matilde's artistic practice includes both wall-based and sculptural works, all of which are articulations of the most fundamental element in her practice: the exploration of the spatial qualities within the two-dimensional. Her preferred material is glass, often combined with other materials such as metal, natural stone, paper, or photographic material.
Matilde Duus (b. 1983, Aarhus, DK) is a visual artist educated at the Royal Danish Academy of Fine Arts, DK (2008-2014), and Valand Academy, University of Gothenburg (2012). Matilde has recently held solo exhibitions at Bricks Gallery, DK (COMFORT, 2023), M100, DK (The Last Winter, 2021), and Magasin Lotus, DK (Collecting Hole, 2018), as well as participated in group exhibitions at S12 Gallery (Bergen, 2022), Galerie MøllerWitt (Copenhagen, 2021), and Marie Kirkegaard Gallery (Copenhagen, 2021). The artist's works are represented in public collections, including the Danish Arts Foundation and Copenhagen Municipality. Public and site-specific works include Banedanmark, Ringsted, Denmark (2020), UCSyd, Kolding, Denmark (2022), and the Sydhavn district, Aarhus, Denmark (upcoming). Matilde Duus is represented by BRICKS Gallery, Copenhagen, DK.
The exhibition is curated by: Henriette Noermark
Arrangement av Galleri RiisThe exhibition Begleiter will present new works across mediums; fifty ceramic sculptures, eighty works on paper and five large paintings. This will be his 20th exhibition with the gallery.
In the winter of 2023, Olav Christopher Jenssen suffered a stroke which caused permanent damage to his vision. At the time, he was busy preparing his studio to start work on a new series of large paintings, but impeded by his reduced vision, the canvases were put on hold for an indefinite period. In the early stage of convalescence, he intuitively turned to clay and started building and shaping ceramic sculptures, all varying in size and complexity, but easily identified as a family of mysterious personalities and habitats, evoking a hidden fairytale world. Entitled Begleiter, the German word for companion, their highly saturated glazes span from shades of brown and black to bright pastels and mineral hues.
Olav Christopher Jenssen 'Begleiter' on view through November 02, 2024
Photo: Adrian Bugge
Parallel to his work with the ceramics, Jenssen gradually picked up his Journal series of mixed media drawings on paper, a body of work that has been ongoing since 1986 and, when seen together, reads like a diary of his artistic life. The works made over the past year show a multitude of imagery and styles, from monochrome line drawings to richly textured and vibrantly coloured compositions made with various crayons, pastels and watercolor. This exhibition also marks the publication of Journal Vol. 08, a new book featuring a selection of recent works from the series published by Buchkunst Kleinheinrich in collaboration with Galleri Riis. The Journal book-series has become an important part of Jenssen’s ouvre and display his longstanding interest in designing and illustrating publications, both his own as well as for several leading contemporary and modern Scandinavian writers published by Kleinheinrich in Germany.
Early this year, Jenssen returned to his large canvases and has now completed a suite of 4 paintings, in a series entitled A Day Behind executed with oil on canvas, all in a duo-chromatic style, with fine laces and bursts of white oil paint over a deep cadmium red ground.
The exhibition Begleiter is a materialization of how, for Olav Christopher Jenssen, artistic endeavours are persistent – or in his own words: “simply an ongoing thing” – also when life takes unexpected turns.
Olav Christopher Jenssen (b. 1954 Sortland, Norway) is one of the foremost artists of his generation from the Nordic countries and has gained international recognition for his distinctive and multifaceted paintings, as well as for his idiosyncratic sculptures. His production includes drawing, watercolor, graphic works, book illustration and publications. Working simultaneously with multiple series and mediums, Jenssen alternates between the different works mentally and physically; from informal and rapidly painted pictures to more strict and formal paintings, in very large as well as intimate formats. Always exploring and adopting new methods and techniques, his works contain both continuity and diversity, therein emerging a rich visual vocabulary. The paintings open up a philosophical space for dialogue and reflection, encouraging the viewer to unveil strata of paint and decipher cryptic symbols, as on a journey through the history of abstract painting. Jenssen has over the years produced several public commissions ranging from murals and wall reliefs to freestanding monumental sculptures.
Jenssen lives and works in Berlin and in Lya, Sweden. He was appointed professor at Hochschule für Bildende Künste in Hamburg i 1996, and has since 2007 held a professorship at Hochschule für Bildende Künste Braunschweig in Germany. He is represented in important public collections, including the Museum of Modern Art, New York, Moderna Museet, Stockholm, Astrup Fearnley Museum, Oslo, Centre Pompidou, Paris, Kunstmuseum Bonn, Kiasma, Helsinki, Preussischer Kulturbesitz, Berlin, Marta Herford, Germany and The National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo. He has had major exhibitions at the Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo, Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki, and Kunstmuseum Bonn, Germany. Recent exhibitions include «Enigma» Marta Herford, Germany, «Journal – works on paper 1979-2012» Henie Onstad Art Centre, Høvikodden, Norway, «Olav Christopher Jenssen» Saarlandmuseum, Saarbrücken, Germany, «Estragon» Sprengel Museum, Hannover, Germany. In 2019, the Astrup Fearnley Museum in Oslo featured an impressive display of his works in the museums’ collection.
Olav Christopher Jenssen
Begleiter
Nye malerier, arbeider på papir og skulpturer i keramikk
20 september – 2 november, 2024
Vi er glade for å kunne invitere til utstilling med nye verk av Olav Christopher Jenssen (f. 1954). Jenssen er en av kunstnerne som har samarbeidet lengst med Galleri Riis, og dette er hans 20. utstilling i galleriet, siden den første i 1985.
For Jenssen, som fylte 70 år i april, har det siste året vært utfordrende, men også bemerkelsesverdig produktivt og kunstnerisk nyskapende. Utstillingen Begleiter inneholder nye verk på tvers av medier; femti keramiske skulpturer, åtti arbeider på papir og fem store malerier.
Vinteren 2023 fikk Olav Christopher Jenssen en hjerneblødning som førte til varige skader i synsenteret. Da det skjedde var han i gang med forberedelser til å starte arbeidet med en ny serie store malerier, som på grunn av sykdommen ble satt på vent. I den tidlige fasen av rekonvalesens grep han intuitivt til leire og begynte å forme skulpturer, alle varierende i størrelse og kompleksitet, men lett gjenkjennelige som en familie av mystiske personligheter og habitater som leder tankene til en skjult eventyrverden. Skulpturene har fått tittelen Begleiter, det tyske ordet for ledsager/følgesvenn, og har et rikt spekter av mettede glasurer som spenner fra nyanser av brunt og svart til lyse pasteller og mineraltoner.
Parallelt med arbeidet med skulpturene tok Jenssen gradvis opp sin serie Journal, som består av arbeider i blandet teknikk på papir i boksideformat, et prosjekt som har pågått siden 1986, og sett samlet kan det leses som en dagbok over hans kunstneriske virke. Verkene han har laget i løpet av det seneste året viser et mangfold av former og uttrykk, fra monokrome strektegninger til rike teksturer og vitale komposisjoner laget med fargestifter, pastellkritt og akvarell. Denne utstillingen markerer utgivelsen av Journal Vol. 08, en ny publikasjon med et utvalg av de seneste arbeider fra serien, utgitt av Buchkunst Kleinheinrich i samarbeid med Galleri Riis. Bøkene i Journal-serien har blitt en viktig del av Jenssens oeuvre og eksemplifiserer hans langvarige interesse for bokdesign og illustrasjon av publikasjoner, både hans egne og for flere ledende samtidige og modernistiske skandinaviske forfattere utgitt av Kleinheinrich i Tyskland.
Tidlig dette året vendte Jenssen tilbake til sine store lerreter og har nå fullført en serie på fem abstrakte malerier, kalt Isotherm. Alle er utført med kun to farger, og har finmaskete nett, linjer og strøk av hvit oljemaling over en dyp kadmiumrød grunn.
Utstillingen Begleiter er en bekreftelse på hvordan kunstnerisk ambisjon og produksjon er en vedvarende tilstand for Olav Christopher Jenssen, eller med hans egne ord – “rett og slett en kontinuerlig prosess” – selv når livet tar uventede vendinger.
Med hans bakgrunn fra scene, film og kunst både hjemme og i USA , tematiserer han ofte undergrunnskulturens råskap og lidenskap i sitt arbeid.
Kjærlighet, hat og sjalusi blir vist i stort format.
Stephan har nylig stilt ut i Gamle Munch Museet og GSF Skatepark med blant andre Christopher Nielsen, samt i Bodø 2024 Kulturbyen og i "Queer ways" på Jernbanetorget T-banestasjon.
Installasjonen “Fuck Hate“ ble utsatt for hærverk og tyveri gjentatte ganger i en av hans siste gruppeutstillinger; det belyser kanskje denne ustabile politiske tid vi lever i?
Utstillingen ”I DID IT MY F#$% WAY” åpner torsdag 24 oktober 2024 kl 18.00 i Galleri ALTI og står til søndag 3 november.
GALLERI i ALTI
Ullevaal Stadion
Sognsveien 75 C-D
0855 OSLO
Stephan Lee Udbjørg
Epost : stephanleeu@yahoo.ca
Onsdag 23 oktober kl 12-19
Torsdag 24 oktober Åpning kl 18-21
Fredag 25 oktober kl 12-19
Lørdag 26 oktober kl 12-18
Søndag 27 oktober etter avtale
Onsdag 30 oktober kl 12-19
Torsdag 31 oktober kl 12-19
Fredag 1 november 12-19
Lørdag 2 november 12-18
Søndag 3 november etter avtale
Maria Kayo Mpoyi (født 1986 i Kinshasa, Kongo) kombinerer visuell kunst og litteratur i sin kunstneriske praksis. Hun har skrevet to romaner som utforsker gjenoppdagelsen av forvrengt historie og helbredelsen av traumer gjennom fiksjon.
Hun tolker kreativt ulike fragmenter fra arkivet, en praksis hun kaller "indre arkeologi. ” Ved å veve fiktive historier rundt objekter hun finner i nasjonale og personlige arkiver, streber Kayo Mpoyi etter å gjenoppdage fortiden. Å huske er en aktiv prosess for å tolke og gjenskape minner. Tegning er en måte å la kroppen dekode på.
Bildet ovenfor:
Et portrett av mor, 2024
Unik
78 x 104 cm
Photo: Embla Myklebust
The Queen Sonja Print Award exhibition space is centrally located in Bjørvika, the rising cultural hub of Oslo. Surrounded by architectural masterpieces like MUNCH, Vannkunsten, and the Deichmanske public library, this part of Bjørvika has become a trendy and stylish residential area where small cafes, bars, restaurants and galleries lay side by side.
The opening of the QSPA exhibition space in spring 2021 was an important milestone on the foundation's mission to raise public awareness of and interest in graphic art. By creating a meeting place that offers unique and high-quality fine art prints, the exhibition space highlights the excellence that exists in fine art printmaking today and makes it more available to people. We see it as the epicentre for graphic art, and a window for the world to witness the greatness of this genre.
The QSPA exhibition space hosts selected pieces by recipients of the Queen Sonja Print Awards and various artists from around the world, in addition to some of HM Queen Sonja’s own work. The foundation's association with the best artists and their works, makes it possible for the exhibition space to host events and exhibitions of high quality and international magnitude.
Arrangement av Kunsthall OsloRostockgata 2-4, 0191 OsloLars Holdhus – Where Oil Is First Found Is in the Minds of Men
28th September-27th October 2024
Opening Friday September 27th 7pmWhen the internal combustion engine was invented, the USA was still officially a slave state, and the only place on the planet where women had the same political rights as men was the Pitcairn Islands in the Pacific Ocean. Oil extraction and petroleum production developed in parallel with car manufacturing at a time when social, political and economic power belonged overwhelmingly to Western men. Automobiles and motorcycles were designed and explicitly marketed as male fetishes, ready to receive the sexualised power fantasies that the dream industry needed to project onto them.
Holdhus’s show at Kunsthall Oslo dramatises the legacy of this coupling of benzene to testosterone. Fifteen sculptures – somewhere between mannequins and scarecrows, built from literally toxic creosote-soaked salvaged wood – represent fifteen characters who each play a part in this contemporary play of petro-masculinity, from the Patagonia-wearing tech bro, to the Viking biker, to the art-world frequent-flyer heading for the Deutsche Bank lounge.
As context for these sculptures, Holdhus has sketched an outline map of the global economic system onto the gallery floor. A series of workshops during the exhibition will give visitors and invited speakers the chance to discuss, modify, extend, or critique this initial mapping.
Holdhus is an artist, musician and activist currently based in Oslo, and co-founder of the project Good Praxis.
Arrangement av QB Gallery
- -
Hvis du googler etter tekster om Bjørn Båsen spretter det opp mye rart. Det er som om de av oss som er satt til å skrive om Båsen hiver etter luft i jakten etter treffende ord i møte med den nesten overveldende mengden av detaljer, de intrikate komposisjonene og grenseoverskridelsene i stilarter og estetikk, mellom god og dårlig smak.
Her er noen løsrevne sitater om Båsens kunst, gjengitt uten kildehenvisninger: «dataspill og fantasy i møte med barokkens storslåtte og dekadente uttrykk.» «preges av ornamentikk, kompleksitet og en personlig mytologi; arbeidene fremstår med en salig blanding av det groteske og det dekadente» «full av referanser til mytologi, fortid- og nåtids dekadens, eventyr og realisme.» «a sophisticated and saccharine sweet sensibility, which references the ornate approach of masters such as Watteau and Boucher in Late Baroque period as well as the kitschy aesthetic of contemporary Japanese painting by artists such as Takashi Murakami and Yayoi Kusama.»
Det er som om Båsens verk unnslipper rettlinjede setninger, noe som sammenfaller med estetikken. Det øyeblikket du tror du har fanget verket er det som om blikket sklir videre over på nok en detalj. De er så mange, og til dels motstridende. Det er ikke lett å forstå hva man skal trekke ut av disse verkene.
Vi begynner med det ene, er det av en hval. Eller er det en ubåt på bildet dekorert med motiver fra middelalderen? Og det som er et silketrykk av en kakkelovn, er samtidig også et bilde av en oljeplattform. Tror jeg.
På et annet bilde er et hus med kuppel til tak, et såkalt orangeri, i bakgrunnen på bildet ser du en botanisk ekspedisjon med to (hvite) europeere som leder og en lokal (svart) som bærer. I huset i forgrunnen ser du plantene europeerne hadde med hjem til sin koloniale samling. Men noe er rart med plantene, for de er kjøttetende planter som eter opp europeerne. 1950-tallets skrekkfilm møter 1800-tallets kolonialistisme.
Triptyket med porselen på er inspirert av Gerhard Munthes motiv blåveis. Går du tett innpå så kan du lese et utdrag fra Munthes bok Minder og Meninger fra 1919. En bok som ifølge Norsk biografisk leksikon er «i hovedsak en samling avisartikler, ofte skrevet på kort varsel og etter oppfordring, og danner ingen sammenhengende og lett tolkbar kunstfilosofi.» Selv sitatet er hentet fra en obskur sammenheng, som ikke er lett å tolke.
Et annet bilde viser ser Schloss Schönhausen i Berlin, og trigger warning, bildet har et hakekors på seg. I nazitida ble det oppbevart såkalt entartede kunst i bygget. Senere var det hovedsete for kommunistregimet i DDR. Ellers er huset kjent som hjemmet til Elisabeth Christine of Brunswick-Wolfenbüttel-Bevern – Fredrik den Stores kone. Fredrik selv var glødende homoseksuell, mens han koste seg med mannfolka tok Dronninga over det monarkiske ansvaret. Ytterste laget med fugler er hentet fra hennes frokostservise. Bak er DDR-landskap bak, og kopi av dagens turistkart.
Slik fortsetter det i bilde etter bilde. Lag på lag med fortellinger og myter, digresjoner på tvers av århundrene, historiens bakside og vrangside om hverandre. Vi får ingen klare pekepinner til når Båsen spøker og når han er seriøs. Den tekniske briljansen og det estetiske tiltalende i bildenes overflate overvelder oss også. Bildene er en estetisk utforsking av hvor rotete fortida egentlig er, en fascinasjon over historiens irrganger. En avdekking av historiske paradokser og underlige sammenfall. Og det skal vi være takknemlige for.
Noe av det skumleste som finnes er enkle og rettlinjede framstillinger av historien. Der historien fram til i dag fortelles som om den er drevet av én enkel vilje, er motivert fram av ett overskuelig mål eller som resultat av enkeltavgjørelser. Gjennom overenkle beskrivelser av historien kan man fordele skyld, tildekke makt eller lage fiendebilder. Overforenklet historieskriving brukes for å opprettholde konspirasjonsteorier, polariserte debatter og eskalere konflikter.
Nå er det menneskelig å ville forklare en fortidig fortelling så ryddig som mulig. Ved å skrelle ned fortida, skjære bort det som ikke passer inn, fokusere på enkelte elementer i bestemt rekkefølge, får man en historie som føles logisk og riktig. Problemet er bare det at historiens gang aldri har vært enkel! Historiens gang har like mye vært styrt av tilfeldigheter, flaks og uflaks eller sammenfall i tid, som av kalkulerte handlinger eller vilje. Det har vært makt som samtida ikke så, beslutninger vi i dag ikke kan forstå og årsak-virkning som ikke oppleves som intuitiv.
I tillegg har mennesker alltid satt i gang initiativ som aldri ble til noe, beslutninger er endt opp i ingenting, vedtak er ikke blitt fulgt opp, planer er rent i sanden og oppfinnelser som kunne ha endret verdens gang ble glemt. Parallelt er historien full av relativt små enkelthandlinger som endte opp med å dytte historien i en helt annen retning enn det noen kunne forutse sekunder før. Skuddene i Sarajevo. Skuddene i Dallas. Da en østtysk statstjenestemann leste feil i et dokument på en pressekonferanse, og Berlinmuren falt på én kveld. Andre ganger har små tilfeldigheter og forhold i topografi, tid og kraft avgjort deler av historiens gang videre. Samtidig har det vært en helt annen historie en annen plass i verden.
Historien har kort fortalt ikke vært enkel. Nåtida er aldri enkel heller. Vi lever alltid i en kulisse av gammel tid, gjennom bygninger, strukturer, lover, tekster, ideologier, normer, språk og familier konstruert i tidligere tider. Samtidig velter framtida over oss, som et flimmer eller en vind vi ikke kan stoppe. Og slik har det alltid vært. Det har aldri vært en enkel fortid, det har aldri vært en enkel historie noen har levd i. Ingen av oss lever i en enkel tid, og det har mennesker aldri gjort.
Verden er alltid kaotisk og uoversiktlig, hvor makta faktisk befinner seg er ikke alltid lett å få øye på og retningen på det hele ser man først i retrospekt. Den ærligste måten å gjengi denne fortida på, den som det er vanskelig å finne ord til, er det Båsen inviterer oss inn til i utstillingen.
- Bjørn Hatterud
Arrangement av QB Gallery
- -
Sebastian Helling (f. 1975, London) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo (MA), Royal College of Art i London (MA) og London College of Printing (BA).
Kunstnerskapet til Helling har en enorm kraft i komposisjon, farge og forståelse for maleriet. Maleriene består delvis av tradisjonelle «strøk» og delvis av påsprayet maling, og i mellomrommet mellom disse måtene å behandle lerretets overflate oppstår et dirrende spenningsfelt av malerisk mening. Slik all god malerisk ekspressivitet gjør, så er kunstneren fullstendig til stede i maleriene, for er det noe disse maleriene definitivt viser tilbake til, så er det i høyeste grad Helling selv.
Han anerkjennes som en viktig stemme på den internasjonale kunstscenen og er innkjøpt av innflytelsesrike nasjonale- og internasjonale samlinger.
Andrea Scholze (f. 1988, Oslo) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo (BFA, 2011, MFA, 2016).
Scholze arbeider primært med keramikk, men utforsker også i økende grad andre materialer og uttrykk der elementer av biologi og menneskelige sinnsstemninger settes opp mot dyrenes verden. Skulpturene hennes er røft modellerte, ekspressive vesener i skjæringspunktet dyr/menneske. Tanker omkring hvordan det moderne mennesket i større grad fjerner seg fra naturen, for deretter å oppleve å lengte mot den er ofte til stede i verkene hennes. Skikkelsene i keramikk opptrer som bilder av oss selv, og kan frembringe eksistensielle refleksjoner hos betrakteren.
Scholze er innkjøpt av både private og offentlige samlinger, blant annet KODE, Bergen, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Trondheim, Equinor Art Programme, KORO og Oslo Kommunes Kunstsamling.
Arrangement av Katrine Bjørnstad CarlieVarighet: 2 tVi har gleden av å invitere deg til en spesiell visning av vårt kunstprosjekt i portrommet på Normannsgata 5, hvor Torbjørn Egner tilbrakte sine første 25 leveår. Med tillatelse av Egner-familien og utsmykning av kunstner Simon Alfredo, har vi gjenskapt noen av Egners ikoniske illustrasjoner for å hylle hans arv på stedet der det hele begynte.
Dette er en unik mulighet til å oppleve Egners barndomshjem på en helt ny måte, og se hvordan hans liv og verk blir levende på veggene i bygården. Kunsten reflekterer både hans mest kjente karakterer og hans tidlige inspirasjon fra livet på Kampen.
Når: 12.10.24. Kl 12.00 til 14.00
Sted: Normannsgata 5, Kampen, Oslo
Se unike illustrasjoner inspirert av Egners kunst
Bli kjent med Egners oppvekst i Normannsgata 5 og hvordan det påvirket hans senere verk.
Mulighet til å møte og prate med kunstneren bak prosjektet, Simon Alfredo
Dette er et arrangement for alle som elsker norsk kultur, barnebøker, og kunst. Vi gleder oss til å dele denne historiske hyllesten med dere!
Hjertelig velkommen!
Arrangement av Høstutstillingen, Statens kunstutstilling
Varighet: 7 t
Velkommen til Høstutstillingen 2024, statens 137. kunstutstilling!
Norske Billedkunstnere (NBK) arrangerer Høstutstillingen 2024 på Kunstnernes Hus i perioden 7. september–13. oktober.
Fra juryens uttalelse:
«Et felles prinsipp for årets jury har vært å ha fokus på kunstnerisk kvalitet og særegenhet fremfor andre potensielle kriterier. Årets kunstnere byr på tankevekkende, inspirerende og provoserende verk med viktige samfunnskommentarer, underfundige betraktninger, formale utfordringer, humoristiske vink og skjøre hvisk.
Vår ambisjon har vært å skape en utstilling med en dramaturgi som pirrer publikums nysgjerrighet, glede, irritasjon og begeistring. I møte med husets ikoniske saler ville vi spille på lag med det eksisterende: lyset, volumet og arkitekturen. Kunsten tar
plass og opererer samtidig som romlige elementer. Vi har gjort noen grep for å knytte det hele sammen.
Den burgunderrøde fargen, hentet fra Per Krohgs takmaleri «Kunstnerens tornefulle vei mot høydene» (1932) over trappen opp til overlyssalene, har fått en sentral rolle og dukker opp på ulikt vis i alle rom. Dette grepet er ment å peke tilbake på Høstutstillingens opprinnelige salongtradisjon. Med den mørke, men levende fargen ønsker vi også å skape en kontrast til det hvite, såkalte nøytrale rommet, i en tid som er alt annet enn nøytral og uskyldig.»
Årets kunstnere:
Sampson Addae*
Wisam Al-Samad
Ørjan Amundsen*
Hedda Roterud Amundsen*
Ingeborg Blom Andersskog*
Amir Asgharnejad, Anahita Alebouyeh* og Åsmund Janøy*
Askheim Melsom (Hans Askheim og Irina Melsom)
Kristina Austi*
Kristin Austreid
Kari Anne Helleberg Bahri*
Lorie Ballage
Nina Bang
Asmaa Barakat*
Ingrid Bjørnaali*
Thomas Bremerstent*
Samuel Brzeski*
Esra Düzen*
Serina Erfjord
Vilde Eskedal*
Johannes Engelsen Espedal
Frode Fjerdingstad
Oscar Eriksson Furunes*
Gunerius & Verdensveven* (Thomas Bergsten)
Turid Gyllenhammar*
Natalie Price Hafslund*
Else Marie Hagen
Oliver Hambsch*
Reinhard Haverkamp
Mattias Hellberg*
Snorre Sjønøst Henriksen* og Kornelia Remø Klokk*
Hanne Grieg Hermansen*
Kari Hjertholm
Inger Holbø
Ingvild Holm*
Lene Hval*
Michiel Jansen*
Pouria Kazemi*
Tove Kommedal*
Kjell Korsmo*
Tom Kosmo
Heidi Kristiansen*
Ingerid Kuiters
Ingeborg Kvame
Kim Laybourn
Linn Lervik
Ingrid Liavaag* og Ingri Enger Damon*
Tobias Liljedahl
Lise Linnert
Jara von Lüpke*
Line Bøhmer Løkken
Øystein Pålsønn Lønvik
Øystein Rolland Magnussen*
Israa Mahameed*
Anna Sofie Mathiasen*
Elisabeth Mathisen
Christian Messel
Rajat Mondal*
Dominique Nachi*
Margrete Netland*
Atle Selnes Nielsen
Ida Mariboe Nielsen*
Per Kristian Nygård
Danielle Emilie Olsen*
Aksel Ree*
Anania Røde*
Zarina Saidova*
Gunhild Sannes*
Marie Saure*
Ulla Schildt
Franzisca Siegrist*
Birgitte Sigmundstad
Thando Sikawuti*
Helge Skodvin
Signe Solberg*
Anne Stabell
Mette Stausland
Karianne Stensland*
Ruben Stokke*
Øyvind Sørfjordmo
Yola Maria Tsolis*
Iver Uhre Dahl*
Tor Simen Ulstein*
Petrine Vinje
Thyra Wanvig*
Verena Winkelmann
Karen Aarre*
Jørund Aase
*debutant
Den Nasjonale Jury 2024: Lasse Årikstad (juryleder), Fredrik Raddum, Ingeborg Annie Lindahl, Hilde Honerud, Hanan Benammar (nestleder) og Hanna Roloff
05.09 - 13.10.24
Goro Tronsmo moved in to Billedhoggerforeningen on the 29th of August. She brought a dog, a dancer, half of her furniture, fifteen suitcases and started renovating Villa Furulund. Goro’s exhibition period includes a public program inside the installation with specific opening hours.
Goro Tronsmo has spent the last 10 years working on a series of large-scale, living architectural installations. In her work, she transforms and stages the spaces she engages with, to offer a different perspective – on structures within the art scene, on buildings, and on institutions. Her most recent project was an installation for Lyshallen at the National Museum for the opening exhibition «Vi kaller det kunst." It depicted an urban structure, complete with apartments, a sauna, a museum, backstreets, and squares. She also works with actors, graphic staging, and film.
Coming opening hours:
Sunday Sept 29th 12-16h - “Pilates & Bloody Mary”
Tuesday Oct 1st 10-12h - “Kaffe & Havregrøt, and maybe some rigging”
Friday Oct 4th 16-20h - “Hjemmekino, Ballett & Pizza”
Saturday Oct 5th 14-18h - “Ryddedag”
Thursday Oct 10th 12-21h - Durational performance
Friday Oct 11th 12-21h - Durational performance
Saturday Oct 12th 12-21h – Durational performance
Sunday Oct 13th 12-21h – Durational performance (THE PEAK!)
ÅPNINGSTIDER I HØST: EVENTBASERT OG OPPDATERES FORTLØPENDE
HEKKVEIEN 5, 0571 OSLO – NORWAY / +47 22 37 77 80 / nbf@skulptur.no
Arrangement av Trafo Kunsthall
Utstillingen står fra 1. juni - 13. oktober
Det er med svært stor glede at Trafo Kunsthall endelig kan ønske velkommen til utstillingen REKREASJON på Dikemark.
Installasjonsbilde GRØFTA OG KNIVEN
Per Inge Bjørlo i dialog med Asger Jorn
Foto: Tor S. Ulstein
GRØFTA OG KNIVEN
Per Inge Bjørlo i dialog med Asger Jorn | *Administrasjonsbygget
SLEEPER
Ingrid Torvund og Jonas Mailand | *Galleri Dikemark
TRIOPOLIS
Outsider Art fra Dikemarksamlingen | *Dikemark Psykiatriske Sykehusmuseum
I-IIII
Bukett! | *I uterommet
Foto: Regine Stensæth Josefsen
Husk at det går gratis buss (med guide fra NIE teater!) tur/retur Trafo Kunsthall med avgang kl. 12.45 og retur 16.45. Du kan også reise kollektivt med buss 280 mot Dikemark / Heggedal med avgang hvert 20 minutt. Kommer du med bil er det gratis parkering.
Alle utstillinger og arrangementer er gratis.
Programmet oppdateres fortløpende på www.trafokunsthall.no
REKREASJON er produsert og kuratert av Trafo Kunsthall og markerer første del av en treårig satsning for å undersøke mulighetene for utvidet utstillingsvirksomhet på Dikemark
En stor takk rettes til alle sponsorer og samarbeidspartnere: REKREASJON er produsert i samarbeid med Dikemark Psykiatriske Sykehusmuseum. Utstillingen har mottatt støtte fra Asker Kulturfestival, Akershus Fylkeskommune, Asker kommune, Norsk Kulturfond, Fargerike Asker og Fritt Ord. Til utstillingen har Asker kommune sjenerøst lånt ut fire malerier av Asger Jorn fra sin samling.
Arrangement av Pride Art / Skeive Kunstnere Norway og Gamle MunchFredag 6. september - 16. oktober
Pride Art er kunstnerstyrt og skaper unike kunstopplevelser i skeivt perspektiv hvor kunsten utfordrer fordommer og ivaretar tradisjonen i den skeive bevegelsens fokus på kunst som verktøy i frigjøringskampen. Gjennom året setter Pride Art opp rundt 40 utstillinger fra Kristiansand i sør til Tromsø i nord, gjerne på uvanlige arenaer som kirker, eldresentere, skoler og kulturhus, og tilbyr med en lang rekke foretak og institusjoner programmer for å åpne opp for større forståelse for skeive menneskes liv og virkelighet gjennom kunsten som brobygger.
«Wunderkammer» oppstod som begrep på 1500-tallet på samlingene forskjellige privilegerte og adelige mennesker fra europeiske kolonimakter opparbeidet seg og plasserte i egne skap. Ordet er tysk, og blir ofte oversatt med «raritetskabinett» på norsk, men det vil være riktigere å kalle det «undringskammer». De inneholdt fossiler, utstoppede dyr, sjeldne planter og kunst fra de koloniserte.
Pride Arts versjon av undringskammeret inneholder også mye folk sjelden får se ellers: Skeive, nålevende kunstneres verker. Institusjonene har, med noen sporadiske unntak i det skeive kulturåret 2022, sjelden eller aldri fokus på minoritetenes kunstuttrykk. Pride Art løfter frem et grensesprengende mangfold av stemmer som ellers blir usynliggjort eller ignorert som irrelevante av de som gis makt til å sile hva som kommer til i det offentlige rom.
Pride Art og Wunderkammer skal ikke bare fremme skeiv kunst og skeive kunstnere. Med utstillingene skaper vi møter mellom den ikke-skeive majoriteten, og kunst som forteller om skeive liv og følelser. Dette skaper undring og dialog ut over regnbueflagg og pride-feiringer noen få dager i året. Det bidrar til større forståelse, mer inkludering og økt aksept for identitet og legning.
Vi ønsker velkommen til Wunderkammer 2024, og en opplevelse det er umulig ikke å bli berørt av!
Åpningsseremoni fredag 6. september kl 19:00
Arrangement av Oslo Kunstforening
Melanie Kitti og Elina Waage Mikalsen
Kuratert av Koffi & Højgaard
gos earát ledje duolbman lei mearka mis
der andre hadde tråkket var det avtrykk i oss
where others had stepped there were traces in us
22.08.24 – 13.10.24
For English text, please see below.
___
"der andre hadde tråkket var det avtrykk i oss" presenterer kunstnerne Melanie Kitti (f. 1986, SE) og Elina Waage Mikalsen (f. 1992, NO/SÁ). Begge er tverrfaglige kunstnere som arbeider med forskjellige medier; Waage Mikalsen er både musiker og billedkunstner, mens Kitti jobber med tekst, maleri og skulptur. Kunstnerne har etablert seg som to markante stemmer i samtidskunsten, med hvert sitt sterke uttrykk.
Ved å invitere de to kunstnerne til å innta de samme utstillingsrommene har kuratorene Pauline Koffi Vandet (f. 1994, DK/CI) og Ida Højgaard Thjømøe (f. 1991, NO/DK) skapt en dynamikk som setter kunstnerne i dialog med hverandre. Denne dialogen skjer konseptuelt, materielt og romlig. Noen ganger reflekterer den de kunstneriske forskjellene, andre ganger resonnerer verkene med hverandre og skaper en harmonisk flerstemmighet.
Utstillingen er en del av Oslo Kunstforenings nye satsing New Voices, hvor eksterne, yngre kuratorer inviteres til å utvikle og kuratere et utstillingsprosjekt spesielt for institusjonen. Utstillingen er støttet av Kulturrådet, Statens Kunstfond og av Oslo kommune i forbindelse med markeringen av 400-års jubileet for Oslo by.
___
Welcome to the opening of the exhibition «where others had stepped there were traces in us» Thursday 22 August from 6-8 pm, and a conversation between the artists and curators Saturday 24 August 1-2 pm.
The exhibition presents the artists Melanie Kitti (b. 1986, SE) and Elina Waage Mikalsen (b. 1992, NO/SÁ). Both are interdisciplinary artists working across media. While Waage Mikalsen is both a musician and artist, Kitti’s work is a combination of her writing, painting and sculptural practices. In recent years, both artists have established themselves as significant voices in the contemporary art scene, each with a distinctive artistic language.
By inviting the two artists to inhabit the same exhibition space, curators Pauline Koffi Vandet (b. 1994, DK/CI) and Ida Højgaard Thjømøe (b. 1991, NO/DK), have created a dynamic that places the artists in dialogue with each other. This dialogue occurs conceptually, materially and spatially. Sometimes this dialogue reveals their artistic differences in counterpoint and sometimes the works resonate with each other, creating a harmonious polyphony.
The exhibition is part of Oslo Kunstforening’s initiative New Voices, where external, younger curators are invited to develop and curate an exhibition project specifically for the institution. The exhibition is supported by Art Council Norway and Danish Arts Foundation and The City of Oslo, in connection with the commemoration of the 400th anniversary of the city
Arrangement av OSL contemporary
Utstillingen står til 5. oktober
Text by Louise Rytter
Throughout the day, sunlight cracks through the colored glass and interplay with the abstract paintings evoking dynamic movements of whirling waves, drifting clouds and shifting tectonic plates. Elements pulse with life yet remain anchored in place. In that fluid moment, Bley captures the tension between chaos and order, imagination and reality, the natural and the artificial.
Intuitive and introspective, Bley’s artistic approach is informed by her personal experiences, interest in human psychology, the unpredictable forces of nature, and a commitment to experimentation with paint. Embracing spontaneity and scale, she pushes the boundaries of her medium to explore the possibilities of abstraction.
Drawing inspiration from her affinity with the sea and science fiction literature, Bley's paintings go beyond traditional forms, expressing conceptual ideas without relying on literal representation. The abstract figurations resonate with imagery reminiscent of NASA’s Blue Marble photographs, Ernst Haeckel’s marine life illustrations, and the dramatic landscapes and weather patterns of Scandinavia. Each painting presents itself as a solitary landmass or living organism, reflecting the rugged beauty of nature that has shaped Bley - from her childhood in the Stockholm Archipelago to her current life along Oslo's coastline.
As we stand before Bley’s paintings, we are reminded of how art can bridge the gap between scientific discourse and public consciousness, fostering a deeper connection with the environment. Echoing the ideas of French philosopher Bruno Latour, Bley’s work resonates with his belief that art can heighten our understanding of ecological and technological complexities. In our Technosphere, dominated by digital networks, satellites, and drones that offer unprecedented visual control over the Earth, advancements in biology and artificial intelligence are redefining what it means to be human. Bley captures this dynamic through swirling brushstrokes and vibrant colours, emblematic of the relentless flow of information in a technologically driven world. The exhibition hereby serves as a reminder of the delicate balance that sustains life on Earth.
–
Ragna Bley is an artist based in Oslo working with painting, sculpture, text, and performance. Her practice encompassing painting, sculptural, performance, and language-based works, Bley draws inspiration ranging from science fiction, and the natural world, to art history. Underpinning this eclecticism and the proclivity toward experimentation is a remarkable degree of technical skill, honed through her education at the Oslo Academy of Fine Arts and the Royal College of Art in London.
Bley (b. 1986, Uppsala, Sweden) has previously held exhibitions at Kunstnernes Hus, Oslo (2022); Malmö Konsthall (2020); Kunsthall Oslo (2017). Her works have been presented at Henie Onstad Art Center and Kistefos in Norway, and Moderna Museum, Stockholm. More recently, she has been included in group exhibitions at Buffalo AKG Art Museum, New York and Le Consortium, Dijon (2024).
Her work is included in the collections of The National Museum, The Astrup Fearnley Museum, Henie Onstad Art Center, and Kistefos in Norway; Moderna Museet and Malmö Konstmuseum in Sweden; Buffalo AKG Art Museum in USA; David Roberts Art Foundation in UK.
–
Louise Rytter is a curator, author and communications strategist specialised in arts and culture. She is the director of Rytter & Denke, and was formerly assistant curator at the Victoria and Albert Museum and Program Manager at Google Arts & Culture. She holds a degree from Central Saint Martins, and is the author of 'Louis Vuitton: Catwalk' and 'The World According to Lee McQueen'.
Arrangement av VI, VII
VI, VII is pleased to open an exhibition with works by Brit Fuglevaag, one of Norway's most influential textile artists, in dialog with Jorunn Hancke Øgstad. The opening will take place during Bjørvika Art Night.
For decades, Brit Fuglevaag has challenged traditional notions of tapestry while exploring new materials and techniques. The exhibition includes eight of Fuglevaag's works, ranging from traditional tapestries to more experimental pieces. These works include materials such as surplus plastic from famous fashion houses in Paris and recycled waste from the fishing industry, collected from the shore along the Varangerfjord.
In addition, a new work by Jorunn Hancke Øgstad will be shown, which enters into a dialog with Fuglevaag's works, creating an exciting encounter between different artistic expressions across generations.
Brit Fuglevaag (b. 1939, Kirkenes) lives and works in Oslo, Aure, Kiby and Civezza in Italy. Her work can be found in collections such as Nasjonalmuseet, KODE and Kunstsiloen. Last year, Fuglevaag was appointed Knight 1st Class of the Order of St. Olav for her contribution to Norwegian textile art.
Jorunn Hancke Øgstad (b. 1979, Bærum) lives and works in Oslo, and is included in collections such as Nasjonalmuseet, Moderna Museet and Henie Onstad Kunstsenter.
Arrangement av Galleri Semmingsen
Men før han startet sin kunstutdannelse utdannet han seg som agronom. Han arbeidet noen år som sauebonde på Senja og som jordbruksavløser i Nord-Østerdalen. Der har familien hytte, i et landskap som gir ham glede og inspirasjon. Han har stilt ut i overlyssalen på Kunstnerforbundet, i LNM og på Trafo Kunsthall og er blandt annet innkjøpt av Statoil og Norsk Kulturråd. Utstillingen består av ca. 20 malerier på lerret i størrelser fra 18x20 cm opp til 155x165 cm. Bildene blir lagt ut på nettsiden på åpningsdagen.
Espen sier selv om sitt kunstneriske virke;
Jeg følger et utydelig tråkk langs elven,
motstrøms, oppover mot myrene, gjennom kløfta,
elven blir mindre, deler seg, blir bekker, blir myr.
Naturen har en egenverdi, uavhengig av nytte og forbruk.
Mine landskaper, naturbilder, befinner seg et sted mellom
den abstrakte ekspresjonismen og den poetiske skildringen av naturen.
I min arbeidsprosess er det en bevissthet om naturens sårbarhet.
Jeg maler med eggtempera, gjerne, eller helst, på gamle, slitte lerret og treplanker.
Det er en veksling mellom vekst og nedbrytning, mellom påføring og avskraping av maling.
I billedbyggingen er det en higen etter orden i en kaotisk natur.
Arrangement av SOFT galleri og Malin Bobeck Tadaa, Artist
Andetag er en visuell manifestasjon av et dypt åndedrag. Kunstverkene er skulpturert fra spesialvevde tekstiler, animert med lys for å illustrere luftstrømmen gjennom lungene. Animasjonen gjør det mulig for betrakteren å synkronisere sin egen pust med kunstverket.
Tadaa inviterer til refleksjon, ro og forbindelse med seg selv, andre og annet. Publikum blir ikke kun koblet til verkene, men også universet.
Malin Bobeck Tadaas unike tekstilkunst utstråler farger i hypnotiserende mønstre, og leder betrakteren til ubevisst å koble kroppen til kunsten. Hun har utviklet en teknikk som innlemmer optiske fiber i industriell jacquardvev, som etter vevsprosessen blir bearbeidet i aterlieret. Avslutningsvis synkroniseres verket med animasjoner drevet av Tadaas pust som under meditasjon ble registrert av en maske, og algoritmer basert på solsystemets bevegelser.
Animasjonen i verket forandrer seg over tid i form, intensitet og farge. Det er i konstant forandring, aldri gjentakende. Algoritmen styres av en pseudotilfeldig tallsekvens, som betyr at selv om det virker tilfeldig, er den eksakte animasjonen for hvert sekund av kunstverkets levetid allerede matematisk forhåndsbestemt. Den mest drastiske endringen skjer når kunstverket skifter mellom forskjellige fargepaletter. Denne endringen bestemmes av bevegelsen til de fem planetene som er synlige for det blotte øye. Hver gang disse planetene justeres i en konjunksjon på nattehimmelen, endrer kunstverket farge. Dette skjer vanligvis hver 1-3 måned.
Malin Bobeck Tadaa (f. 1986) er en Stockholmsbasert kunstner med BA fra Tekstildesign fra Högskolan i Borås. Tadaas verker har blitt vist på Sveriges Nasjonalmuseum for Kunst, Borås Textil Museet og Göteborgs Konstmuseum, samt at hun har utstilt i USA, Mexico, Taiwan og Frankrike. Bestillingsverket for Göteborgs Konstmuseum «Those Who Affected Me» (2015) reflekterte hennes personlige kamp mot kreft. «Emerging Sensation» i 2019 ble vist i R1-kjernekraftreaktoren i Stockholm, som ligger 25 meter under bakken. Utstillingen trakk over 4000 besøkende.
Hun har mottatt flere anerkjennelser bl.a. "Encouragement of Research"-stipendet fra Sten A Olssons Stiftelse, og er bredt omtalt i svenske magasiner og blogger, samt i svensk TV (SVT).
https://www.instagram.com/malintadaa/
https://www.softgalleri.no/utstillinger/malin-tadaa/
//
The exhibition is open until October 20.
Andetag is a visual manifestation of deep breathing. The works in the series are sculpted from specially woven textiles that are animated with light in order to illustrate the flow of air through the lungs. The animation enables viewers to synchronise their own breathing with that of the artwork. Tadaa’s works invite reflection, calm and a connection between oneself, others and other things. Viewers interact not only with the works but also with the universe.
Malin Bobeck Tadaa’s unique textile artworks radiate colours in hypnotising patterns that lead us as viewers to connect with them, both subconsciously and bodily. She has developed a technique that incorporates optical fibres into weavings made on industrial jacquard looms. After the weaving process, the textiles are processed further in the studio. In a final stage, they are synchronised with animations that are based on Tadaa’s own breathing whilst meditating. Her breathing is registered by a mask and by algorithms based on movements in the solar system.
The animation in a work changes over time, not only in form but also in intensity and colour. The work therefore always undergoes change, and it never repeats the same sequence. The algorithm is steered by a pseudo-random number sequence, meaning that even though it seems random, the exact animation for each second of the artwork’s life is already mathematically predetermined. The most drastic change happens when it shifts between colour palettes. This change is determined by the movements of the five planets that are visible to the naked eye. Each time these planets are adjusted in a conjunction in the night sky, the artwork changes colour. This usually happens every one to three months.
Malin Bobeck Tadaa (b. 1986) lives and works in Stockholm and holds a BA in textile design from the Swedish School of Textiles, Borås. Her art has been exhibited at Sweden’s National Museum of Art in Stockholm, Borås Textile Museum and Gothenburg Museum of Art, as well as in the USA, Mexico, Taiwan and France. A work commissioned by Gothenburg Museum of Art, Those Who Affected Me (2015), reflects her personal battle with cancer. Emerging Sensation (2019) was exhibited in Stockholm’s old nuclear reactor, located 25 metres underground. The exhibition welcomed over 4,000 visitors.
Tadaa has received several grants, among others, an ‘Encouragement of Research’ grant from Sten A. Olsson’s Foundation. She has received wide exposure in Swedish magazines and blogs as well as on Swedish television (SVT).
Arrangement av Atelier Nord
Øystein Wyller Oddens utstilling Hauge kirke tar utgangspunkt i historien til Olaf Ryes plass 2, bygården som i dag huser Atelier Nord og flere kunstnerstudioer. På begynnelsen av 1900-tallet var bygget et viktig religiøst samlingssted for arbeiderne på Grünerløkka, først som menighetshus og senere som kirke for Hauge menighet.
I 1917 ble det som i dag er Atelier Nords gallerirom viet til kirke. Rommet fikk etter hvert en altertavle som avbilder Kristi oppstandelse, malt av kunstneren Paul Widerøe i 1921, og et for sin tid stort kirkeorgel, bygget av Olsen & Jørgensen i 1924. Kirken ble lagt ned i 1938, og inventaret ble spredt rundt i Oslo.
I utstillingen har Wyller Odden skapt en stedsspesifikk installasjon som fletter sammen bygningens religiøse fortid og sekulære nåtid. Den inkluderer en eksperimentell rekonstruksjon av orgelet som en gang tilhørte kirken. Orgelpiper fra samme periode og orgelbygger er plassert på sokler funnet på Atelier Nords lager. For å gjøre det mulig å lage lyd, har Wyller Odden laget et vindsystem som er innlemmet i soklene.
Orgelpipene spiller en stor akkord basert på Wyller Oddens analyse av et opptak av stillheten i lokalet på nattestid. De elleve mest dominerende frekvensene i opptaket har fått hver sin korresponderende orgelpipe. Et tilhørende videoarbeid studerer rommets arkitektur og teknologi, samt altertavlen som en gang stod i kirken. Denne har i lengre tid vært lagret i en kjeller på et krematorium i Oslo.
Øystein Wyller Odden (f. 1983, Notodden) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo og har hatt separatutstillinger ved blant annet Fotogalleriet (2011), Nordnorsk Kunstnersenter (2016), Kunstnerforbundet (2018), og Trøndelag Senter for Samtidskunst (2023). Han har deltatt på gruppeutstillinger ved Oslobiennalen, Henie Onstad Kunstsenter, Leopold-Hoesch-Museum og Tegnerforbundet.
Hauge kirke er en del av hovedprogrammet til Ultimafestivalen og er produsert av Atelier Nord. Utstillingen er laget med støtte fra Kulturrådet, Kunstsentrene i Norges regionale prosjektmidler og Fond for lyd og bilde.
I forbindelse med Hauge kirke er det laget en publikasjon i serien Atelier Nord Files med et essay av litteraturkritiker Live Lundh. Denne kan hentes gratis i galleriet.
-----------------
Dato: 06.09.24 – 13.10.24
Sted: Atelier Nord, Olaf Ryes plass 2 (inngang fra Sofienberggata)
Åpningstider: torsdag og fredag 15-18, lørdag og søndag 12-17
-----------------
Arrangement av Buer Gallery
“The work of the eyes is done. Go now and do the heart-work on the images imprisoned within you.” – Rainer Maria Rilke
“Think... of the world you carry within you.”
- Rainer Maria Rilke
Hennie Ann Isdahl har utvidet sin utforskning av maleriet som objekt og presenterer en serie nye arbeider for gulv og vegg i separatutstillingen AKTIV. Utstillingen markerer en ny retning for kunstneren som er drevet av problemstillinger knyttet til et konkret geometrisk og nonfigurativt formspråk. Der Isdahls tidligere praksis har vært preget av oppbygde monokrome fargeflater og subtile fargegraderinger, inkluderer AKTIV en serie verk for vegg med polykrome flater og mønstre i en ny, aktiv tilnærming. Utstillingen består også av en gruppe sirkulære, frittstående gulvobjekter i lakk- og speiloverflater som engasjerer, utvider og reflekterer gallerirommet.
Ta gjerne kontakt for førvisning.
Velkommen til åpning 3. oktober! Vi gleder oss til å se deg!
Arrangement av Buer Gallery
“The work of the eyes is done. Go now and do the heart-work on the images imprisoned within you.” – Rainer Maria Rilke
“Think... of the world you carry within you.”
- Rainer Maria Rilke
Hennie Ann Isdahl har utvidet sin utforskning av maleriet som objekt og presenterer en serie nye arbeider for gulv og vegg i separatutstillingen AKTIV. Utstillingen markerer en ny retning for kunstneren som er drevet av problemstillinger knyttet til et konkret geometrisk og nonfigurativt formspråk. Der Isdahls tidligere praksis har vært preget av oppbygde monokrome fargeflater og subtile fargegraderinger, inkluderer AKTIV en serie verk for vegg med polykrome flater og mønstre i en ny, aktiv tilnærming. Utstillingen består også av en gruppe sirkulære, frittstående gulvobjekter i lakk- og speiloverflater som engasjerer, utvider og reflekterer gallerirommet.
Ta gjerne kontakt for førvisning.
Velkommen til åpning 3. oktober! Vi gleder oss til å se deg!
Arrangement av Kunsthall OsloRostockgata 2-4, 0191 OsloLars Holdhus – Where Oil Is First Found Is in the Minds of Men
28th September-27th October 2024
Opening Friday September 27th 7pmWhen the internal combustion engine was invented, the USA was still officially a slave state, and the only place on the planet where women had the same political rights as men was the Pitcairn Islands in the Pacific Ocean. Oil extraction and petroleum production developed in parallel with car manufacturing at a time when social, political and economic power belonged overwhelmingly to Western men. Automobiles and motorcycles were designed and explicitly marketed as male fetishes, ready to receive the sexualised power fantasies that the dream industry needed to project onto them.
Holdhus’s show at Kunsthall Oslo dramatises the legacy of this coupling of benzene to testosterone. Fifteen sculptures – somewhere between mannequins and scarecrows, built from literally toxic creosote-soaked salvaged wood – represent fifteen characters who each play a part in this contemporary play of petro-masculinity, from the Patagonia-wearing tech bro, to the Viking biker, to the art-world frequent-flyer heading for the Deutsche Bank lounge.
As context for these sculptures, Holdhus has sketched an outline map of the global economic system onto the gallery floor. A series of workshops during the exhibition will give visitors and invited speakers the chance to discuss, modify, extend, or critique this initial mapping.
Holdhus is an artist, musician and activist currently based in Oslo, and co-founder of the project Good Praxis.