Arrangement av Galleri Vanntårnet - Nesodden kunstforening

Vi ønsker velkommen til en mangfoldig, spennende og populær utstilling; en tradisjon fra 27 år tilbake!
I år er det 67 medlemmer som stiller ut, med 106 arbeider.

Medlemsutstillingen byr på en allsidighet av kunstneriske uttrykk: maleri, fotografi, tekstil i mange sjangre, keramikk, smykker, grafikk, vi nevner i fleng, et fantastisk utvalg fra Nesoddens mange kreative sjeler.

En spesiell mulighet til julehandel av ekte og varige gaver.

Her finnes noe for enhver smak, du vil få en gledesfylt vandring mellom farge og form for sansene, i 4 etasjer.
En utstilling med stor bredde er dette, mye glede og god stemning, tuftet på godt samarbeid mellom medlemmer, styret og tårnets venner.

Vi takker ROWEN BABS SIVERTSEN for hennes energiske innsats i 10 år, VIBEKE LUNEL og BJØRG OMHOLT for kuratering og ikke minst alle OG ENHVER som bidrar med super arbeidsinnsats!

HJERTELIG VELKOMMEN TIL ALLE !

Krigsblod Nesevoll Productions (Grete Neseblod og Trine Krigsvoll Haagensen) inviterer til åpning av utstillingen Over Bord.

Over Bord startet som en fascinasjon over stua og stuebordet til Lars Grønnerød, slik disse fremstilles i NRK-dokumentaren Gåten Orderud (2018).

Gjennom de individuelle verkene og sammenstillingene av disse søker utstillingen å demontere, rekonstruere og utfordre kriminalestetikken. Begrepet kriminalestetikk peker på utbredte forestillinger og forventninger til kriminelle, medierte fremstillinger av den kriminelles uttrykk, smak, talemåter og kompetanser, samt medierte innramminger av dette. Estetikkbegrepet brukes her både som en referanse til «det sansbare» og til «det skjønne».

Utstillingen er ikke opptatt av å felle dom, men snarere å vise til og utfordre hvordan det juridiske, moralske og estetiske ser ut til å smelte sammen i et eget uttrykk, hvor dommen mot «lav smak» ser ut til å sammenfalle med rettsapparatets dom og moralske dommer om det gode mennesket. Og nettopp rote til og kødde med dette.

Som om ikke dette var nok i seg selv byr også denne åpningen på musikalsk innslag med selveste Thomas Eggum.

Utstillingen er arrangert i samarbeid med Grünerløkka Lufthavn og Galleri 69.

Prosjektet er støttet av Billedkunstnernes Vederlagsfond.

Arrangement av Trine Krigsvoll Haagensen, Nora Stangebye Kuvaas og 2 andre

Arrangement av SOFT galleri

7. november– 15. desember 2024

Solveig Aurora Lien Granberg
Liquid Creature

Velkommen inn til vårt galleri. Det er vintermørke ute, men her inne i galleriet kan du kose deg med utsøkt kunst. Vi er stolte over å presentere utstillingen Liquid Creature, bestående av billedvev produsert av den unge kunstneren Solveig Aurora Lien Granber

Solveig Aurora Granberg jobber med billedvev og tegning der hun beveger seg mellom abstraksjon og figurasjon, ofte ved å blande elementer fra den synlige verden med det usynlige. Hennes fargerike, lekne uttrykk åpner opp for en utforskning av spirituelle temaer, naturens grenseløshet og menneskets sårbarhet.

I utstillingen Liquid Creature presenterer Granberg verker som viser til havet og himmelen som symbolske ytterpunkter for menneskets virkelighetsforståelse. Havet representerer det underbevisste og det ukjente: en dynamisk kraft som konstant endrer seg i endeløse sykluser og minner oss om vår egen sårbarhet. Granberg er opptatt av hvor lite vi egentlig vet om dypet, da bare rundt 5% av havet er kartlagt. Hver fjortende dag oppdages det en ny art på havbunnen, alt fra «levende fossiler» til bioluminiserende skapninger som utfordrer vår forståelse av liv.

På den andre siden er himmelen et symbol på frihet, ambisjoner og drømmer, en metafor for den uendelige muligheten. Himmelhvelvingen inviterer oss til å se utover det umiddelbare og gir en følelse av å være forbundet med noe større. Granberg bruker ofte blåtoner i sine tepper for å representere grensen mellom det kjente og det ukjente, som et slør over det som er bortenfor. I det ukjente ligger det en mulighet for noe annet, og dette andre kan være kilde til både håp og uro.

Det skaper rom for spørsmål om hvordan vi kan forholde oss til det ukjente –kan vi nærme oss det med åpenhet og undring, uten nødvendigvis å lete etter svar?

SOLVEIG AURORA LIEN GRANBERG

Solveig Aurora Lien Granberg (f.1993, Drammen) bor og arbeider i Oslo. Hun har en bachelorgrad i tekstilkunst fra Kunsthøgskolen i Oslo, og fullførte sin mastergrad ved Kunstakademiet i Bergen i 2022. Hennes arbeider har tidligere blitt vist ved blant annet Bergen Kunsthall, KRAFT, Buskerud Kunstsenter og Kjøpmannsgata Ung Kunst i Trondheim.

Arrangement av Helle Wårås - Art

Velkommen til min kunstutstilling med oljemalerier i Blykjelleren her på Akershus Festning i Oslo. Jeg har vernissage lørdag 23 nov. kl. 14.00 med noe godt i glasset og god musikk. Åpent hver dag fra 12.00 - 16.00 t.o.m. søndag 8 des. VELKOMMEN

30. november - 15. desember 2024

Åpningstider:
Onsdag – fredag 12:00-16:00
Lørdag   12:00-15:00
Søndag   12:00-15:00

Galleri Dobloug ble åpnet av Jon Dobloug i 1975.
Galleriet ligger ved St. Olavsplass, tre kvartaler fra Nasjonalgalleriet.
Vi viser internasjonal kunst, men hovedvekten ligger på separatutstillinger med norske malere og billedhuggere. Galleriet består av to etasjer med tre rom i hver etasje.

Arrangement av Ferd Eiendom og Mesén

Tomorrow av Johannes Høie

Kunstprodusent/kunstfaglig rådgiver

Sted: 3KT, Dokkveien 3, Oslo
Oppdragsgiver: Ferd

Tomorrow av Johannes Høie på 3KT strekker seg over et 20 meter langt lerret og fremviser kunstnerens lek med monumentalmaleriets historiske røtter: Mens penselstrøkene beveger seg mellom den nordeuropeiske renessansens grafikkunst og østlig kalligrafi, bringer fargene inn et tilsnitt av lekenhet og surrealisme.  

Motivmessig trekker Høie inn mange naturelementer, og skaper unike situasjoner omkranset av brusende bølger og drivende skyer hvis dynamiske kraft synes å anspore til nye forbindelser mennesker imellom, og med naturen selv. Verket er bygget opp av en serie motiver som dekker hele forgrunnen, og som utgjør mindre historier eller skaper små øyeblikk. På denne måten gir komposisjonen også uttrykk for en økonomisering av billedflaten vi kjenner fra middelalderen og renessansens billedkunst, som Høie også aktivt forholder seg til i en ekspressiv nåtidsversjon av den monumentale kunsten. Motivene bærer gjerne på henvisninger til religion og myter, men er likefullt åpne og fabulerende. De følger etter hverandre uten noen entydig narrativ sammenheng – som i et freskomaleri hvor sekvenser av motiver ble plassert i samme billedrom og utgjorde et felles, fortett narrativ, selv om de foregikk til ulike tider eller på ulike steder. 

Sentralt i kunstverket står et møte mellom en eldre mann med blått hår og rød skjorte og en yngre gutt som er fullstendig malt i gult, noe som gir ham et åndelig anstrøk. Der hendene deres møtes svever noe underlig, hvitt og lysende, som et slags balansepunkt eller mystisk utspring. Fra Adams skapelse til Noli me tangere er kunsthistorien full av slike nesten-berøringer, et motiv som ikke minst får sin relevans som formidler av det skapende, overraskende og nye. Kanskje skal vi lese Høies hvite lys som en utveksling mellom generasjoner eller samhandling mellom to verdener?

Arrangement av S9 Galleri

Marianne Breiland (f. 1968) er en lidenskapelig og entusiastisk maler som utforsker det abstrakte billedspråket.

Hun startet sin kunstneriske reise i ungdommen og fortsatte i voksen alder ved Nydalen Kunstskole. Etter en lengre pause fra kunsten fant hun tilbake til staffeliet for noen år siden. Siden den gang har hun utviklet sin unike stil gjennom ulike kurs med kunstneren Cathy Mevik, samt de USA-baserte kunstnerne Cat Tesla og Julie Schumer.

Marianne har en energisk og effektbasert maleform, noe som gir et helt unikt og personlig billedspråk. Hun søker å uttrykke en utemmet livsglede gjennom sine malerier og er opptatt av kontraster, strukturer, farger og linjer for å formidle dette. I hennes maleprosess har hun en leken og eksperimentell tilnærming, hvor fokuset ligger både på den kreative prosessen som sluttresultatet i seg selv. Gjennom abstrakte former og kraftfulle penselstrøk inviterer hun betrakteren til å tolke og oppleve kunsten på et personlig plan.

Hun beskriver sin kunst slik: “Jeg ønsker å uttrykke energi og en utemmet livsglede gjennom det abstrakte bildespråket. Jeg liker å bruke kontraster, fra store, raske og energiske penselstrøk til de mindre strekene. På den måten ønsker jeg å gi betrakteren friheten til å utforske og oppdage noe nytt hver gang man ser på maleriet, nesten som når man ser seg bort i skyenes skiftende former.”

Om utstillingens tittel sier hun følgende: "Utstillingens tittel har bakgrunn i spørsmålet jeg fikk om hva temaet for min kommende utstilling skulle være. Dette er noe gallerister ofte er opptatt av. Men sannheten er at jeg ikke har noe spesifikt tema; jeg maler det jeg har lyst til å male, og derfor er alle mine malerier ganske forskjellige. Den eneste røde tråden er meg- som kunstner.

Denne refleksjonen fikk meg til å tenke på hvordan mange i dagens samfunn streber etter det perfekte. Det er et konstant press om å pass inn i en bestemt mal. Det gjelder både hvordan man skal være og hva man skal gjøre. Dette presset kan føre til mye stress og misnøye. Å omfavne våre ufullkommenheter og være tro mot oss selv kan være en kraftig motgift til dette presset. Vi trenger ikke streve etter perfeksjon. Det er helt greit å være den du er; It’s Okey!"

Velkommen til vernissage lørdag 2. november kl. 15:00 til 17:00 !
Åpningstider ellers: Onsdag til søndag, 13:00 til 17:00
Utstillingen kan oppleves t.o.m. 14. november.

Arrangement av Galleri Briskeby og Sindre Goksøyr

På sin kommende separatutstilling “Ssshh!” vil Sindre Goksøyr vise rykende ferske silketrykk, skulptur, maleri og originaltegninger.

Utstillingen vil kretse rundt hans kjente karakter Noel, som vi møter både som barn og voksen.

Noel er kjent fra Goksøyrs tidligere bokutgivelse "Hrmf!", som vant SPROING-prisen for beste norske tegneserie i 2011.

En uke før åpning, torsdag 31. oktober, slippes Goksøyrs nye bokutgivelse "Pfft!" på No Comprendo Press. En helaftens tegneseriebok der vi også møter Noel i et ganske strevsomt liv, både som barn og voksen. Lenke til slippfesten her: https://www.facebook.com/events/1177022053401314

Sindre Goksøyr (f. 1975) er billedkunstner, illustratør og tegneserietegner. Han er en del av kunstnerkollektivet Dongery, som foruten å lage hundrevis av fanziner og bøker har hatt en rekke utstillinger i inn og utland. Han har en rekke separatutstillinger bak seg hvor han hovedsaklig har vist grafikk og skulptur. Han jobber mye med konsert -, teaterplakater og platecovere, og har et tett samarbeide med artisten Sex Judas.

Sindre Goksøyr har stilt ut hos Galleri Briskeby tre ganger tidligere, sist i 2021 med utstillingen «Vil du hengi deg til Kama Sutra med meg» sammen med Christopher Nielsens «Lev vel – lev hårete».

Flere av silketrykkene vil også være tilgjengelig for salg i vår nettbutikk, etter at utstillingen har åpnet.

Utstillingen står til 1. desember.

Arrangement av Grini Mølle

Lørdag 9. og søndag 10. november kl 12-16 åpner vi igjen dørene på Grini Mølle og ønsker velkommen til vårt labyrintiske bygg! Den store mursteinsbygningen ved fossen i den idylliske Grinidammen rommer et mangfold av kreative virksomheter. Her jobber vi med billedkunst og skulptur, møbler og smykker, tepper og tekstil, kort og puslespill, snekring og yogatimer - vi nevner i fleng. Alle interesserte inviteres til å komme innom for å se hva som foregår og slå av en prat med kreative utøvere. Mange av aktørene har for anledningen gode tilbud, så det blir også anledning til å finne noen fine julegaver.

Legg gjerne helgeturen langs Lysakerelva og kom innom Grini Mølle på veien. Velkommen til oss!

Adresse: Grini Mølle, Grinidammen 10, 1359 Eiksmarka
T-bane 2 til Ekraveien eller buss nummer 32 / 140
Gratis inngang. Parkeringsmuligheter.

(Sinne) Käsin

27.09.24 – 12.01.25

Norsk

(Sinne) Käsin på Vigelandmuseet, er Åsne Kummeneje Mellems hittil mest omfattende utstilling. Tittelen har en dobbelt betydning: På norsk kan det kvenske ordet käsin oversettes til «for hånd» eller «i retning av», mens sinne betyr «dit». Når ordene settes sammen, oppstår den nye betydningen «ditover».

I utstillingen utforsker Mellem käsityö, det tradisjonelle kvenske håndverket som kan kjennetegnes med en pragmatisk bruk av naturmaterialer, ofte i kombinasjon med gjenbruk og kreative løsninger. Denne utforskningen av den hverdagslige håndverksformen er gjennomgående i hennes kunstnerskap, hvor hun stadig undersøker hva käsityö har vært, hva det er i dag, og hvordan glemte tradisjoner kan synliggjøres gjennom nye kunstuttrykk.

Mellems arbeider vises i tre av Vigelandmuseets utstillingssaler. I sal 7 finner vi verket I Never Learned my Mother Tongue (2021), hvor store mengder ulltekstil velter utover gulvet fra en trang boks av tre og glass. Ullstoffet er plantefarget etter gammel skikk med steinlav, som Mellem selv har sanket i kvenske områder. Hun forteller at steinlav, kivijäkälä, vokser tett i enkelte områder, og kan variere i farge og tykkelse: Noen steder vokser den som lyse, tynne flak, andre steder i tykke mørke lag, som om den vokser oppå seg selv. Likevel avgir den en dyp, brun farge på ullstoffet. Slike observasjoner beskriver Mellem i sin utgivelse Oppiit/Omateko (2023). Denne boken kan sees på som en personlig håndbok om käsityö, en samling av kunstnerens egne erfaringer med håndverket.

I sal 11 vises Pehmeä paaro (2024), et verk som både er monumentalt og mykt, og kan minne om en foss av naturfarget ull som faller fra taket og ned på gulvet. Fargen går igjen fra verket I Never Learned my Mother Tongue, men beveger seg også over i gule og grønne toner. Her er det brukt einer, kataja, som tradisjonelt har hatt flere bruksområder, både som medisinplante, trevirke eller juletre i nordlige områder uten andre sorter bartrær.

Vekki (2004) befinner seg i sal 12, og består av tuohi eller bjørkenever. Noe av materialet er sanket selv, kombinert med resirkulert never fra et hustak i Karlsøy. Neveren har tidligere vært et viktig byggemateriale også i kvensk tradisjon, hvor det blant annet ble brukt som isolasjon i vegger og tak, eller til fletting av mindre gjenstander. Mellem beskriver neverarbeidet som en nøysom prosess, hvor hun strimler opp store flak før hun så deler strimlene lag for lag. Det vevde uttrykket kommer fra et opprinnelig ønske om å jobbe med neverfletting. Det lot seg ikke gjøre å lære dette fra et kvensk perspektiv, og hun endte opp med å innføre materialet i veven i stedet. «Det spilte ingen rolle om det var flettet eller vevd. Det spilte ingen rolle om det var perfekt heller. Det viser uansett at kunnskapen er borte» skriver Mellem i Oppiit/ Omateko.

Pehmeä paaro og Vekki har begge kvenske titler. Mellem ser på språket som ryggmargen i enhver kultur, hvor språket - det immaterielle - er avgjørende for kunnskapsoverføring av håndverket - det materielle. Hun innfører derfor kvenske ord og begreper i sin kunstneriske praksis. I Never Learned my Mother Tongue skiller seg ut som en form for pasifisering, en verbalisert sorg over et språk og et håndverk som er sterkt truet. Verket er grunnleggende kritisk og rettet mot fornorskningspolitikken som har bidratt til tapt kunnskapsoverføring av det kvenske språket og kulturen.

Gjennom käsityö ønsker Mellem å skape en arena for dialog og belyse generasjonsgapet i overføringen av kunnskap. Gjennom flere år har hun dykket ned i de kvenske håndverkstradisjonene med et ønske om å revitalisere og videreutvikle tradisjoner som er i ferd med å forsvinne. Ved å spørre seg frem blant folk, om materialer, teknikker og praksiser, har hun jobbet frem et personlig arkiv av fortellinger. Slik bindes hennes praksis til den kvenske kulturen, og til steder, landskap og ressurser. Det tradisjonelle overføres inn i samtidskunsten i mellomrommene hvor hun selv må fylle inn for tapte teknikker og kunnskap.

For Mellem er käsityö mer enn tradisjonelle håndverksteknikker, men en måte å uttrykke tilhørighet på. For konsekvensene av et tapt språk er samfunnsmessige, men konsekvensene av et tapt morsmål er personlig. (Sinne) käsin betyr «ditover», og Mellem beveger seg sakte mellom det som en gang var, det som er og det som skal bli. Ditover.

//

Kvensk

(Sinne) Käsin Vigelandinmuseumissa oon Åsne Kummeneje Mellemin tähän asti laajin näyttely. Tittelillä oon kahđenkertainen merkitys: Sana käsin meinaa sekä käsin tekemistä, ette liikettä johonki päin. Käsitet sinne käsin saa näin uuđen merkityksen.

Mellem tutkii näyttelyssä perintheistä kvääniin käsityötä, jonka tunnistaa pragmaattisesta luononmateriaalin käytöstä, ushein kombinasuunissa uuđestipitämisen ja kreatiivisten ratkaisuitten kans. Tämä tutkiminen päivälisen käsityön ympäri toistuu hänen työssä, jossa hän jatkuuvasti tarkastellee mitä käsityö oon ollu, mitä se oon tääpänä, ja kunka unheetetut tradisuunit saatethaan tehđä näkkyyväksi uussiin taiđetilmaisuitten avula.

Mellemin työt näytethään kolmessa Vigelandinmuseumin näyttelysaalissa. Saalissa 7 löyttyy värkki I Never Learned my Mother Tongue (2021), jossa suuri paljous villatekstiilii puđottaa lattiile ahthaasta klasiloovasta. Villakangas oon kasvifärjätty vanhaasseen taphaan kivijäkälällä jota Mellem oon kovonu perintheisilä kainulaisila seuđuila. Hän muistelee ette kivijäkälä kassuu joissaki paikoissa tihheenä, ja ette färi ja paksuus vaihetelhaan: Joissaki paikoissa vaaleina, ohukaisina hitusinna, toisissa taasen paksuina tummina kertoina, ko ette se kasuis ittensä päälä. Kuitenki siitä tullee syvä, pruuni färi villakankhaale. Tällaissii havainttoi Mellem kuvvailee hänen ulosannossa Oppiit/Omateko (2023). Tämän kirjan saattaa nähđä persoonallisenna käsikirjana käsityön ympäri - kokhoonpano taitheiliijan omista kokemuksista käsityön kans.

Saalissa 11 näytethään Pehmeä paaro, värkki joka oon sekä monumenttaalinen ette pehmeä, ja saattaa muistuttaat köngästä, joka puđottaa katosta lattiile.Värkin I Never Learned my Mother Tongue färit toistuthaan, mutta net kans muutelhaan keltaisiksi ja vihrisiksi sävyiksi. Färjäämisheen oon käytetty katajaa, jolla perintheisesti oon ollu monta käyttöö; metesiinikasvina, puumateriaalinna, ja joulupötäjänä pohjaisessa mistä ei löytyny muuta sorttii hakopuuta.

Vekki oon saalissa 12, ja oon tehty koivun tuohesta. Osa materiaalista oon itte kovottu, kombinasuunissa uuđestipiđetyn tuohen kanssa peräsin huonheen katosta Kalsassa. Tuohi oon ennen ollu tärkkee rakenusmateriaali kvääniin tradisuunissa, jossa sitä oon käytetty muun myötä isolasuuninna seinissä ja katoissa, eli pieniin tinkkoin palmikoimisheen. Mellem kuvvailee tuohityötä tarkkana prosessinna, jossa hän alusti jakkaa suuret tuohipaltot nauhoiksi, ennen ko jakkaa nauhat kerta kerralta. Väävätty ilmaisu tullee toivheesta työtelä tuohipalmikoimisen kans. Ei ollu mahđolista oppiit tätä kainulaisesta perspektiivistä, niin lopuksi hän otti materiaalin väävhiin sen sijasta. “Ei ole tärkkee, oonko se palmikoitu eli väävätty. Eikä ole tärkkee, oonko se täyđelinen. Joka taphauksessa se näyttää ette tieto oon kađonu” kirjoittaa Mellem Oppiit/ Omateko:ssa.

Värkiilä Pehmeä paaro ja Vekki oon molemilla kvääninkieliset tittelit. Mellem näkkee kielen jokhaisen kulttuurin ytimennä: Kieli, joka oon ei-materiaalinen, oon tärkkee materiaalisen käsityön tieđon siirole. Siksi hän ottaa kväänin sannoi ja käsittheitä hänen taitheesheen. I Never Learned my Mother Tongue erottuu verbaaliseerattunna suruna vahvasti uhatusta kielestä ja käsityöstä. Värkki oon pohjananttaavasti kriittinen ja suunittaa ittensä ruijalaistamispolitikkiin, josta oon seurannu kađotettu tieđonsiirto kväänin kielestä ja kulttuurista.

Käsityön avula Mellem halluu luođa areenan dialoogile, ja näyttää sukupolviin välisen kuilun tieđon ja ossaamisen siirossa. Hän oon monta vuotta perehtyny kvääniin käsityötradisuunhiin, toiveena elästyttäät ja kehittäät tradisuuniita jokka oon hävviimässä. Kysymällä ihmisiltä materiaaliista, teknikiistä ja käytänöistä, hän oon pykäny ittele persoonallisen muistelusarkiivin. Näin hänen työtely liittyy kväänin kulttuurhiin, paikkhoin, maisemhiin ja resurshiin. Perintheinen liittyy nykytaitheesseen niissä väliissä, joissa hänen häyttyy itte täyttää ja kompenseerata kađotetuista teknikiistä ja tieđosta.

Mellemille käsityö oon muutaki ko perintheistä teknikkii, se oon kans tapa ilmaista yhtheenkuuluvuutta. Kađotetun kielen konsekvensit oon yhtheiskunnaliset, mutta kađotetun äiđinkielen konsekvensit oon persoonalliset. Mellem liikkuu hiljaa menheen, olleevan ja tulleevan välilä. Sinne käsin.

Arrangement av QB Gallery

- -

Sebastian Helling (f. 1975, London) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo (MA), Royal College of Art i London (MA) og London College of Printing (BA).

Kunstnerskapet til Helling har en enorm kraft i komposisjon, farge og forståelse for maleriet. Maleriene består delvis av tradisjonelle «strøk» og delvis av påsprayet maling, og i mellomrommet mellom disse måtene å behandle lerretets overflate oppstår et dirrende spenningsfelt av malerisk mening. Slik all god malerisk ekspressivitet gjør, så er kunstneren fullstendig til stede i maleriene, for er det noe disse maleriene definitivt viser tilbake til, så er det i høyeste grad Helling selv.

Han anerkjennes som en viktig stemme på den internasjonale kunstscenen og er innkjøpt av innflytelsesrike nasjonale- og internasjonale samlinger.

Andrea Scholze (f. 1988, Oslo) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo (BFA, 2011, MFA, 2016).

Scholze arbeider primært med keramikk, men utforsker også i økende grad andre materialer og uttrykk der elementer av biologi og menneskelige sinnsstemninger settes opp mot dyrenes verden. Skulpturene hennes er røft modellerte, ekspressive vesener i skjæringspunktet dyr/menneske. Tanker omkring hvordan det moderne mennesket i større grad fjerner seg fra naturen, for deretter å oppleve å lengte mot den er ofte til stede i verkene hennes. Skikkelsene i keramikk opptrer som bilder av oss selv, og kan frembringe eksistensielle refleksjoner hos betrakteren.

Scholze er innkjøpt av både private og offentlige samlinger, blant annet KODE, Bergen, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Trondheim, Equinor Art Programme, KORO og Oslo Kommunes Kunstsamling.

Arrangement av Astrup Fearnley Museet

Velkommen til utstillingen av Silje Figenschou Thoresens "Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den"

Thoresens kunstneriske praksis bygger på samiske design- og håndverkstradisjoner, som blant annet vektlegger improvisasjon og gjenbruk av materialer. Hennes nye installasjon Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den vises i en av museets største utstillingssaler i 2. etasje av bygget der Astrup Fearnley-samlingen er utstilt.

"Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den" er bestilt og produsert av Astrup Fearnley Museet med støtte fra Sparebankstiftelsen DNB Kunsten i Dag.

_

Welcome to the opening of Silje Figenschou Thoresen’s "Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den" (A quiet and protected water, the layers above it, passing undisturbed) Wednesday September at 18:00!

Free and open for all but sign up required, refreshments will be served. Sign up here: https://afmuseet.ticketco.events/.../aapning__silje...

At 19:00 there will be a short conversation between Silje Figenschou Thoresen and curator Owen Martin on the first floor of the Astrup Fearnley Collection display.

Thoresen’s work draws upon Sámi design traditions emphasizing improvisation and the re-purposing of existing materials. Her new installation Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den will be on view in one of the museum’s largest galleries, on the second floor of The Astrup Fearnley Collection display.

"Et stille og beskyttet farvand, de overliggende lag gik uforstyrret hen over den" is commissioned and produced by Astrup Fearnley Museet and funded by Sparebankstiftelsen DNB Kunsten i dag.

Arrangement av Tegnerforbundet - senter for tegnekunst

Om utstillingen:

‍I tidsrommet 11.10.–22.12.2024 presenterer Tegnerforbundet – senter for tegnekunst gruppeutstillingen TIDEVATNET LAGAR BØLGJER I FJELL OG LUKTA AV FURU KAN SKAPA REGN. Åtte kunstnere og et samarbeidsprosjekt som på ulike måter jobber med vann, deltar i utstillingen som er kuratert av Randi Nygård.

Deltagende kunstnere: Sigmund Skard, Munan Øvrelid, Eli Maria Lundgaard, Signe Lidén, Ane S. Landfald, Maja Nilsen, Simon D. T. Wenzel, Thorbjørn Sørensen. Kunstnergruppen MEANDER: Kjersti Vetterstad, Søssa Jørgensen, Geir Tore Holm, Caitlin Franzmann, Marina Guzzo, Kidauane Regina Alves, Alexandra Neumann, Tomoko Momiyama, Avani Tanya, U Bat Sat, Turakella Edith Gyindo og Randi Nygård.

Tegnerforbundet har invitert Randi Nygård til å sette sammen en gruppeutstilling om vann. I hennes arbeid med utstillingen har Nygård blant annet tatt utgangspunkt i sin sønns spørsmål om hvorfor vi ikke kan holde vann fast i hånden vår. Hvorfor flyter vann gjennom landskap, i vassdrag, fjorder og våtmarker, inn og ut av planter, skyer, byer, dyr, havet og kroppene våre? Det kan vi ikke svare klart på, men vi vet at vann er en forutsetning for alt liv slik vi kjenner det.

Kunsten er et sted hvor vi kan få fortsette å undre oss, hvor vi ikke trenger å holde fast og fullt ut forstå. Hvordan er så det flytende vannet, som vanner, renser, flytter og endrer, flommer over, danner skyer og blir forurenset, til stede i kunsten?

Nygård har valgt kunstnere med verk som åpner for en sterk tilstedeværelse og undring. De viser på ulike måter det grunnleggende poetiske ved verden. I Signe Lidéns lydinstallasjon hører vi tidevannets bølger gå inn i fjell og få de til å vibrere. I Thorbjørn Sørensens maleri av en bukett tulipaner møter vi en stille tilstedeværelse av mangel på vann. Sigmund Skard stiller ut en video og gjennomfører en performance under utstillingsåpningen hvor speilinger i en kopp te vil møte en nese. Simon Tegnander Wenzel har jobbet med lukter fra barndommens hule. I Munan Øvrelids maleri finner vi et kulturhistorisk rom av hav, skygger og umørke. Ane Sivertsen Landfald viser en stor tegning som er inspirert av en freske fra 1300-tallet som har gått gjennom århundrer med flom, forfall og restaurering. Vi ser livet som en vital og organisk bevegelse i Maja Nilsens collager, og i Eli Maria Lundgaard videoinstallasjon møter språk og bevissthet vannets evige kretsløp som forutsetning for alt liv.

En månekalender, produsert av kunstnergruppen Meander, inneholder korte instruksjoner om vann. Kalenderen er del av utstillingen og tilgjengelig i et begrenset opplag. Her flyter fantasien som en elv gjennom miljøet i ulike land, når kunstnerne undrer seg over hva vann kan uttrykke mellom ulike tilstander, når det fordamper, fryser og smelter ut av isbreer. Og hvordan livet ville vært om vi ikke hadde klokker, men fulgte tiden i samspill med sol, måne, vann og andre levende vesener? Hvordan ville et naturreservat med våtmark sett ut i ditt nabolag? Hva om du var en blekksprut? Eller en vanndråpe som speiler omverden?

Om kuratoren

Randi Nygård (1977, Bergen) er kunstner. I sitt arbeid tar hun ofte utgangspunkt i fakta som går på tvers av natur- og samfunnsvitenskapene og som vender oss mot det vi mennesker ikke forstår, men likevel kan sanse og erfare. Hun er interessert i sammenhenger som er usynlige, tilfeldige eller irrasjonelle, og visuell representasjon av disse.

Les mer om utstillingen:
https://www.tegnerforbundet.no/.../tidevatnet-lagar...

//

Foreløpige arrangementer i utstillingsperioden (11.10.–22.12.2024):

Kuratoromvisninger: Onsdag 16. oktober, kl. 12:00 / Lørdag 16. november kl. 13:00.

Finn ut mer: https://www.tegnerforbundet.no/.../kuratoromvisning...

"Networks of Circatidal Earth Bodies" – et live lydessay ved Signe Lidén: Lørdag 30. november, kl. 13:00. 

Finn ut mer:
https://www.tegnerforbundet.no/.../live-lydessay-av-signe...

Digital presentasjon av månekalender ved MEANDER: Mer informasjon kommer.

Hold deg oppdatert om aktuelle arrangementer på vår hjemmeside, Facebook og Instagram.

_

Bilde (utsnitt): Thorbjørn Sørensen. Tulipaner. 2007. Olje på lerret. 100x70 cm

Arrangement av BO - Billedkunstnerne i Oslo

Opplevelser av tid og rom stilles under lupen i Thomas Tveter og Vilje Celin Kern Vestenfors respektive utstillinger som åpner på BO førstkommende torsdag.

I Thomas Tveters Et sted å være møtes vi av stillestående scener i skjæringspunktet mellom interiør og landskap. Umiddelbart fornemmes arbeidene som magisk realisme i den forstand at skillet mellom det reelle og irreelle blir utydelig, om ikke fullstendig utvisket. Mer enn hva vi faktisk ser i bildene, retter Tveter oppmerksomhet mot det som ikke er der – nemlig menneskene. Er det vi ser spor etter levende vesener, eller er det vi betrakter kun rester etter en menneskelig sivilisasjon som ikke lenger eksisterer? I utvidet forstand inviterer Tveters poetiske pasteller til en refleksjon rundt menneskets rolle i verden; om vi i det hele tatt har noen rolle utover å ta opp plass som like gjerne kunne vært opptatt av noen andre.

Lys med bølgelengde på 660 nanometer befinner seg midt i den røde delen av det synlige fargespekteret; rødere blir det ikke for våre blotte øyne. I lysterapi brukes ofte nettopp denne rødnyansen, fordi den trenger gjennom hudoverflaten og stimulerer energiproduksjonen i cellene. I anledning utstillingen Spleen Heart Liver Lung har Vilje Celin Kern Vestenfor fargelagt BOs lokaler med det røde lyset. Sammenflettet med lyden av vann, tekst og skulpturelle elementer inngår det i en multimedial installasjon som utfordrer fornemmelser om tid og rom. Publikum ledes inn i en slags akronisk kontekst, et venterom, men også her går tiden selv om den synes å stå stille.

Thomas Tveter (f. 1972) er en norsk kunstner, som bor og arbeider i Oslo. Han er utdannet med hovedfag i maleri ved Statens håndverks- og kunstindustriskole (nå: Kunsthøgskolen i Oslo). Tveter har deltatt på en rekke kollektive utstillinger, deriblant Høstutstillingen. Hans arbeid finnes i samlingen til Oslo kommune og Helse Midt-Norge, samt en rekke private samlere.

Vilje Celin Kern Vestenfor (f.1989) bor og arbeider i Oslo. Hun har en MFA fra Kunstakademiet i Oslo og BFA fra Kunst og Designhøyskolen Bergen. Hun har hatt soloutstillinger på Centralbanken i Oslo og Arcway Nightlands Connector Jennifee-See Alternate i København. Arbeidene hennes har også blitt presentert på Kunstnernes Hus og Destiny’s i Oslo, After School Special på Landmark i Bergen og Fokus videokunstfestival på Nikolaj Kunsthal i København.

«Spleen Heart Liver Lung» har blitt realisert med støtte fra Kulturrådet, Kulturetaten ved Oslo kommune og Billedkunstnernes vederlagsfond.
__________________________________________________

Experiences of time and space resounds in Thomas Tveter and Vilje Celin Kern Vestenfors respective exhibitions opening at BO this Thursday.

In Thomas Tveter's A Place to Be we are met by a series of still standing scenes merging interiors and landscapes. Immediately the works evoke connotations to magical realism in the sense that the borders between the real and non-real seems blurred, if not completely erased. More than what we actually see, the paintings draw our attention to that which seems absent – the humans. Is what we see traces of living humans, or are we looking at what is left from a human civilization that has ceased to exist? In a wide sense Tveter’s poetic pastels are inviting to a reflection of the human role in the world; if we even have any role beyond occupying space that might as well be inhabited by someone else.

Light with a wavelength of 660 nanometer is situated at the mid of the red part of the visible spectrum; the reddest red that can be perceived by the human eye. In light therapy this very nuance of red is often used for its capability to penetrate the surface of the skin and stimulate the production of energy in the cells. For the exhibition Spleen Heart Liver Lung, Vilje Celin Kern Vestenfor has colored BO’s space with this red light. Intertwined with the sound of running water, text, and sculptural elements, it emerges as a multimedia installation that challenge the experience of time and space. The visitors are led into an achronical context, a waiting room, but even here time passes despite appearing as still.

Thomas Tveter (b. 1972) is a Norwegian artist that lives and works in Oslo. He has a MFA in painting from the Norwegian National Academy of Craft and Art Industry (Now: Oslo National Academy of the Arts). Tveter has exhibited his work in several group exhibitions, such as Høstutstillingen. His work is in the collection of Oslo Municipality and the Central Norwegian Regional Health Authority of Mid-Norway, as well as several private collections.

Vilje Celin Kern Vestenfor (b.1989) lives and works in Oslo. She holds an MFA from the Oslo National Academy of the Arts, and a BFA from the Bergen Academy of Art and Design. Her work has been presented in solo exhibitions at Centralbanken in Oslo, and Arcway Nightlands Connector Jennifee-See Alternate in Copenhagen. Vestenfor has also part of larger group presentations at Kunstnernes Hus, Destiny’s, After School Special and Nikolaj Kunsthal in Copenhagen.

«Spleen Heart Liver Lung» has been realized with the generous support of Arts and Culture Norway, Oslo Municipality, and the Norwegian Visual Artists Fund.

Arrangement av S9 Galleri

Retro perspektiv – 30 år med kunsten

15. juli i år er det 30 år siden at Anny Langer flyttet til Norge. I anledning dette jubileet settes det opp en retroperspektiv utstilling.

Det var i juli 1994 at Anny Langer ankom Norge, og Oslo, med to kofferter, en ryggsekk og en sykkel om bord i Kielfergen. Med i bagasjen hadde hun et lite sett med tegnesaker og akvarell-farger som ble flittig brukt på det lille rommet hos vertsfamilien.

Første gang hun stilte ut i Norge var i den tyske menigheten på Majorstuen, Oslo i 1996. Nå, 30 år senere har hun stilt ut sine verk i en rekke utstillinger både i Norge og utlandet, senest i fjor i London Art Biennale.

Utstillingen viser et utvalg av verk og tema som Anny Langer har jobbet med siden hun kom til Norge.

Hun tiltrekkes av et figurativt uttrykk som hun jobber med gjennom fotografi, maleri, tegning og grafiske teknikker. Hun bruker sine egne fotografier i sine grafiske verk, og som inspirasjon til sine malerier og tegninger. Hun jobber ut fra hendelser og sosiale temaer som berører henne. Natur og bymiljø er ofte temaer i verkene.

Velkommen til vernissage lørdag 19. oktober kl. 15:00 til 17:00 !
Åpningstider ellers: Onsdag til søndag 13:00 til 17:00.
Utstillingen kan oppleves t.o.m. 31. oktober.

September 28 — November 2 2024

what is the money-to-life exchange rate the market price of a license to extract reality the selling price for sentience and the vast unknown—the energies beyond human that we live within?

Eline McGeorge explores the complex dynamics between humans and nature in an era where the impact of human activity on the environment is increasingly evident.

Her exhibition, Fieldnotes – to be part to be many, at Femtensesse features a selection from over 500 watercolor that are part of an artistic research project initiated in 2018.

McGeorge’s watercolors, directly drawn from her sketchbooks, capture her first-hand encounters with diverse environments, including a vast coal mining landscape in Colombia, indigenous succulents growing in diamond-mined sand in Namibia, lichen species adapted to heavy metal runoff from mines in Røros, and bird cliffs in Northern Norway. The double-page spreads from her sketchbooks reveal a profound connection with these sites, serving as intimate ‘fieldnotes,’ where the flowing watercolors allow motifs—such as eyes, hands, leaves, and seeds—to transform and merge. 

During the exhibition, McGeorge will launch her new book, crwa, a travel journal that combines texts, video stills, and watercolors. The book interweaves fictional and factual narratives, offering deeper insights into her environmental observations. An artist talk, delving into this material, with McGeorge and art historian Marit Paasche, will take place on the exhibition’s final day, Saturday, November 2nd at 1pm.

The exhibition at Femtensesse coincides with McGeorge’s solo exhibition at Kunstnerforbundet in Oslo this fall, where she will present works in various media that expand upon her fieldnotes, including painting, video and tapestry.

Eline McGeorge (b. 1970, Asker) lives and works in Oslo, Norway. She holds a Master of Fine Arts from Goldsmiths University of London. Recent solo exhibitions include Here Between Worlds (2020), and On Joint Flight Lines (2018), Hollybush Gardens, London; As Spaces Fold, Companions Meet, Oslo Kunstforening (2016), Oslo; and Among Familiar Strangers and Surveilled Places, Fotogalleriet, Oslo (2007). Her work has been featured in group exhibitions, such as fluene får øye på oss i det høye gresset, Femtensesse, Oslo (2024); Our Silver City, 2094, Nottingham Contemporary, Nottingham (2021); Future Knowledge, Modern Art Oxford, Oxford (2018); Rivers of Emotion, Bodies of Ore, Trondheim Kunsthall, Trondheim (2018); Ode to a washcloth, hymn to a tiger; Kunstnerforbundet, Oslo (2017) and Stavanger Kunsthall, Stavanger (2018); and We Are Living on a Star at Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden (2014). 

This exhibition is kindly supported by Arts Council Norway.

Femtensesse

Storgata 36a
NO-0182 Oslo

+47 414 29 679

info@femtensesse.no

Arrangement av Format

Utstillinger 26. september – 3. november 2024. 

MILLIE BEHRENS
Rommet imellom / The Space in Between

En smykkeutstilling i sølv og tre, som utforsker temaene vekst, kjærlighet og reparasjon.

Tittelen reflekterer et gjennomgående tema i alle Behrens' smykker, med en finstemt balanse mellom hvor formen skal slutte og den eksakte målingen av rommet imellom. Millie Behrens bygger sine smykker bit for bit til en følelse av balanse er oppnådd.

Igjen står trær og vekst sentralt, der spenningen mellom organisk form og konstruksjon gjentas som et gjennomgående tema. Behrens henter inspirasjon fra naturen og er spesielt interessert i hvordan tiden setter sine spor på alt rundt oss, som sporene ploger etterlater i jorden og greners strukturerte vekst, der myke linjer møter streng geometri.

Hun er også fascinert av prosessen der naturen gjenvinner menneskeskapte strukturer, hvor trær og skog erstatter jern og betong. Sølv er hennes hovedmateriale, ofte kombinert med andre materialer som gull, tre, perler og steiner.

De siste årene har Behrens arbeidet mye med tre, og i denne utstillingen presenterer hun et utvalg av disse arbeidene, i tillegg til en serie i sølv. Tematisk er seriene knyttet gjennom et stilisert formspråk og et fokus på betydningen av "rommet imellom."

Utstillingen inkluderer brosjer, anheng og armbånd.

Millie Behrens (født 1958) er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo og har fullført studier ved Nova Scotia School of Art and Design i Canada, samt Haystack Mountain School of Crafts i Maine, USA, under Jamie Bennett. Hun bor og arbeider i Slependen, nær Oslo. Behrens har hatt flere separatutstillinger på Kunstnerforbundet og gallerier som Lillestrøm Kunstforening, Sandefjord Kunstforening, Hå Prestegård og Bærum Kunstforening, og har deltatt i en rekke utstillinger både i Norge og internasjonalt, inkludert The Metropolitan Brewery i New York, Scottish Gallery i Edinburgh, Peder Balke-senteret, Collect i London, Louvre i Paris og Röhsska museet i Göteborg.

Foto: Joachim Lagercrantz

/

MÁLFRIÐUR AÐALSTEINSDOTTIR
Stemning / Atmosphere

Málfríður Aðalsteinsdóttir har en dyp tilknytning til naturen, fra de minste detaljer til det storslåtte, majestetiske og vakre. Ved hjelp av tradisjonelt håndverk broderer hun tegninger som hun håper vil vekke refleksjoner hos betrakteren.

Aðalsteinsdóttir har flyttet ut av Oslo og bosatt seg ved fjorden, omgitt av skog. Skogen har blitt viktig for henne, både som inspirasjonskilde og som kilde til materialer for plantefarging. Hun vandrer i skog, fjell og langs sjøen, og observerer endringer i naturen. Det islandske landskapet hun kommer fra består av grønne daler, karrig og robust fjellterreng, vidstrakte sletter, isbreer og svart sand. Nå føler hun at skogen er hennes element. Grensen mellom sivilisasjon og natur endrer seg raskt, og urørte naturområder blir mindre. Menneskelig aktivitet krever plass og endrer miljøet og levevilkårene for et økende antall arter. De mektige og vakre isbreene, som er kilder til ferskvann for planeten, krymper. Våtmarker dreneres og graves ut, gamle skoger forsvinner, og hogst ødelegger biologisk mangfold.

Aðalsteinsdóttir kombinerer ull og hestehår i sine broderte tegninger. Hun bruker både de naturlige fargene fra forskjellige saueraser og plantefarget ull, som deretter blir kardet før ønsket tråd spinnes. Slik tar tegningene hennes form. Eldre håndverkstradisjoner som involverer en nær forbindelse mellom hånd og materiale, respekt for naturressurser, og den tidkrevende prosessen med håndarbeid, er grunnleggende for hennes praksis. Materialene hun bruker er lokalt hentet, biologisk nedbrytbare og kan vende tilbake til naturen. I hennes utstillinger skapes det en stemning av natur, der både motivene og materialene er hentet fra skogen.

Málfríður Aðalsteinsdóttir (født 1960, Island) bor og arbeider i Norge. Hun er utdannet ved SHKS (Statens håndverks- og kunstindustriskole) i Oslo. Hun har hatt flere separatutstillinger både i Norge og utlandet, og har deltatt i en rekke gruppeutstillinger i Norge, Island, Danmark, Sverige, Portugal, Tyskland, Polen, Belgia, Hellas og Baltikum. Hennes verk er innkjøpt av Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Oslo Kommunes Kunstsamlinger, Islands Designmuseum og diverse private samlinger.

Aðalsteinsdóttir var initiativtaker og kurator for iVesturveg, et samarbeidsprosjekt mellom kunstnere og museer i Shetland, Færøyene, Island, Norge og Danmark. Utstillingen ble vist på KODA, Nordens Hus på Island og Færøyene, Shetland Museum og Det Nordatlantiske Hus i København. I 2022 var hun utstillingsleder for den norske utstillingen på CONTEXTILE 2022 | Internasjonal biennale for samtidskunst i Portugal. Dette var et samarbeid mellom Norske Tekstilkunstnere og biennalen, kuratert sammen med Cláudia Melo, kuratoren for Contextile 2022.

/

MATILDE DUUS
En dag blir strømmen langsommere / One Day the Current Will Slow Down

I Matilde Duus’ nyeste verk finner vi en interesse for det flytende og det flyktige; i gjennomsiktig glass som i flytende form kan strømme til små innsjøer eller stivne til dråpeformer, som tårer på en kinn. Utstillingen tar for seg temaer knyttet til vann, havet, dypet, strømmen, overflod, oversvømmelse, øyet, vann i øyet og linser overveldet av tårer. Disse temaene uttrykkes gjennom materialer som glass, bronse og silke. Gjennom et estetisk poetisk formspråk reflekterer utstillingen En dag blir strømmen langsommere over naturens ressurser, som både er vitale og livgivende, men samtidig dystre og truende – spesielt når de betraktes i lys av den pågående klimakrisen. Det skapes en slags kunstig landskap der flytende og smeltende prosesser er stoppet. Tårer, is, vann – noen av de viktigste elementene i vår natur.

Matildes kunstneriske praksis inkluderer både veggbaserte og skulpturelle verk, som alle er uttrykk for det mest grunnleggende elementet i hennes praksis: utforskningen av de romlige kvalitetene innenfor det todimensjonale. Hennes foretrukne materiale er glass, ofte kombinert med andre materialer som metall, naturstein, papir eller fotografisk materiale.

Matilde Duus (f. 1983, Aarhus, DK) er en billedkunstner utdannet ved Det Kongelige Danske Kunstakademi (2008-2014) og Valand Akademi, Göteborgs universitet (2012). Matilde har nylig hatt separatutstillinger på Bricks Gallery, DK (COMFORT, 2023), M100, DK (The Last Winter, 2021), og Magasin Lotus, DK (Collecting Hole, 2018), samt deltatt i gruppeutstillinger på S12 Galleri (Bergen, 2022), Galerie MøllerWitt (København, 2021) og Marie Kirkegaard Galleri (København, 2021). Kunstnerens verk er representert i offentlige samlinger, inkludert Statens Kunstfond og Københavns Kommune. Offentlige og stedspesifikke verk inkluderer Banedanmark, Ringsted, Danmark (2020), UCSyd, Kolding, Danmark (2022), og Sydhavnskvarteret, Aarhus, Danmark (kommende). Matilde Duus er representert av BRICKS Gallery, København, DK.

Utstillingen er kuratert av: Henriette Noermark.

Exhibitions 26 September - 3 November 2024
Welcome to the opening Thursday 26 September at 6 pm.

Opening speech by art critic and journalist Lars Elton.

MILLIE BEHRENS
Rommet imellom / The Space in Between

A jewelry exhibition in silver and wood, exploring themes of growth, love, and repair.

The title reflects a common theme in all of Behrens jewelry, with a finely tuned balance of where the form should end and the exact measurement of the space between. Millie Behrens builds her jewelry piece by piece until a sense of balance is achieved.

Once again, trees and growth are central, where the tension between organic form and construction recurs as a consistent theme. Behrens draws inspiration from nature and is particularly interested in how time leaves its mark on everything around us, such as the furrows left by plows in the earth and the structured growth of branches, where soft lines meet strict geometry.

She is also fascinated by the process in which nature reclaims human-made structures, where trees and forests replace iron and concrete. Silver is her primary material, often combined with other materials such as gold, wood, pearls, and stones.

In recent years, Behrens has worked extensively with wood, and in this exhibition, she presents a selection of these pieces, along with a series in silver. Thematically, the series are linked through a stylized formal language and a focus on the significance of "the space in between."

The exhibition includes brooches, pendants, and bracelets.

Millie Behrens (born 1958) was educated at the Oslo National Academy of the Arts and completed study programs at the Nova Scotia School of Art and Design in Canada, as well as the Haystack Mountain School of Crafts in Maine, USA, under Jamie Bennett. She lives and works in Slependen, near Oslo. Behrens has held several solo exhibitions at Kunstnerforbundet and galleries such as Lillestrøm Art Center, Sandefjord Art Association, Hå Prestegård, and Bærum Art Association, and has participated in numerous exhibitions both in Norway and abroad, including The Metropolitan Brewery in New York, Scottish Gallery in Edinburgh, Peder Balke Center, Collect in London, the Louvre in Paris, and the Röhsska Museum in Gothenburg.

Photo: Joachim Lagercrantz

/

MÁLFRIÐUR AÐALSTEINSDOTTIR
Stemning / Atmosphere

Málfríður Aðalsteinsdóttir is deeply connected to nature, from the smallest details to the grand, majestic, and beautiful. Using traditional handicrafts, she embroiders drawings that she hopes will evoke reflections in the viewer.

Aðalsteinsdóttir has moved out of Oslo and settled by the fjord, surrounded by the forest. The forest has become important to her, both as a source for inspiration, but also as a source of materials for plant-based dyeing. She roams the forest, mountains, and sea, observing changes in nature. The Icelandic landscape she originates from consists of green valleys, barren and rugged mountain terrain, wide expanses, glaciers, and black sand. Now, she feels that the forest is her element. The boundary between civilization and nature is changing rapidly, and untouched natural areas are shrinking. Human activity requires space and is altering the environment and the living conditions for an increasing number of species. The mighty and beautiful glaciers, which are sources of fresh water for the planet, are shrinking. Wetlands are being drained and excavated, ancient forests are disappearing, and clear-cutting is destroying biodiversity.

Aðalsteinsdóttir combines wool and horsehair in her embroidered drawings. She uses both the natural colors of different sheep breeds and plant-dyed wool, which is then carded before the desired thread is spun. This is how her drawings take shape. Older craft traditions that involve a close connection between the hand and the material, respect for natural resources, and the time-consuming aspect of handmade work are fundamental to her practice. The materials she uses are locally sourced, biodegradable, and can return to nature. In her exhibitions, an atmosphere of nature is created, where both the motifs and materials are derived from the forest.

Málfríður Aðalsteinsdóttir (born 1960, Iceland) lives and works in Norway. She is a graduate of SHKS (Oslo National College of Art and Design) in Oslo. She has held several solo exhibitions both in Norway and abroad, and has participated in numerous group exhibitions in Norway, Iceland, Denmark, Sweden, Portugal, Germany, Poland, Belgium, Greece, and the Baltic countries. Her work has been acquired by Nordenfjeldske, the Oslo Municipal Art Collections, the Icelandic Design Museum, and various private collections.

Aðalsteinsdóttir was the initiator and curator of iVesturveg, a collaborative project between artists and museums in Shetland, the Faroe Islands, Iceland, Norway, and Denmark. The exhibition was shown at KODA, the Nordic House in Iceland and the Faroe Islands, Shetland Museum, and the North Atlantic House in Copenhagen. In 2022, she was the exhibition manager for the Norwegian exhibition at CONTEXTILE 2022 | International Contemporary Textile Art Biennial in Portugal. This was a collaboration between the Norwegian textile artists and the biennial, curated together with Cláudia Melo, the curator of Contextile 2022.

/

MATILDE DUUS
En dag blir strømmen langsommere / One Day the Current Will Slow Down

In Matilde Duus' recent work, we find an interest in the fluid and the fleeting; in transparent glass that, in liquid form, can flow into small lakes or solidify into droplet shapes, like tears on a cheek. The exhibition addresses themes related to water, the sea, the deep, the current, abundance, flooding, the eye, water in the eye, and lenses overwhelmed by tears. These themes are expressed through materials like glass, bronze, and silk. Through an aesthetically poetic language of form, the exhibition One Day the Current Will Slow Down reflects on nature's resources, which are both vital and life-giving, yet at the same time grim and threatening - especially when viewed in light of the climate crisis we are currently facing. It creates a sort of artificial landscape where flowing and melting processes have been halted. Tears, ice, water -some of the most important elements in our nature.

Matilde's artistic practice includes both wall-based and sculptural works, all of which are articulations of the most fundamental element in her practice: the exploration of the spatial qualities within the two-dimensional. Her preferred material is glass, often combined with other materials such as metal, natural stone, paper, or photographic material.

Matilde Duus (b. 1983, Aarhus, DK) is a visual artist educated at the Royal Danish Academy of Fine Arts, DK (2008-2014), and Valand Academy, University of Gothenburg (2012). Matilde has recently held solo exhibitions at Bricks Gallery, DK (COMFORT, 2023), M100, DK (The Last Winter, 2021), and Magasin Lotus, DK (Collecting Hole, 2018), as well as participated in group exhibitions at S12 Gallery (Bergen, 2022), Galerie MøllerWitt (Copenhagen, 2021), and Marie Kirkegaard Gallery (Copenhagen, 2021). The artist's works are represented in public collections, including the Danish Arts Foundation and Copenhagen Municipality. Public and site-specific works include Banedanmark, Ringsted, Denmark (2020), UCSyd, Kolding, Denmark (2022), and the Sydhavn district, Aarhus, Denmark (upcoming). Matilde Duus is represented by BRICKS Gallery, Copenhagen, DK.

The exhibition is curated by: Henriette Noermark

Arrangement av Galleri Riis

We are pleased to announce an exhibition of new and recent works by longstanding gallery artist Olav Christopher Jenssen (b. 1954). For Jenssen, who turned 70 this April, the past year has been challenging, but also remarkably prolific and artistically flourishing.

The exhibition Begleiter will present new works across mediums; fifty ceramic sculptures, eighty works on paper and five large paintings. This will be his 20th exhibition with the gallery.

In the winter of 2023, Olav Christopher Jenssen suffered a stroke which caused permanent damage to his vision. At the time, he was busy preparing his studio to start work on a new series of large paintings, but impeded by his reduced vision, the canvases were put on hold for an indefinite period. In the early stage of convalescence, he intuitively turned to clay and started building and shaping ceramic sculptures, all varying in size and complexity, but easily identified as a family of mysterious personalities and habitats, evoking a hidden fairytale world. Entitled Begleiter, the German word for companion, their highly saturated glazes span from shades of brown and black to bright pastels and mineral hues.

Parallel to his work with the ceramics, Jenssen gradually picked up his Journal series of mixed media drawings on paper, a body of work that has been ongoing since 1986 and, when seen together, reads like a diary of his artistic life. The works made over the past year show a multitude of imagery and styles, from monochrome line drawings to richly textured and vibrantly coloured compositions made with various crayons, pastels and watercolor. This exhibition also marks the publication of Journal Vol. 08, a new book featuring a selection of recent works from the series published by Buchkunst Kleinheinrich in collaboration with Galleri Riis. The Journal book-series has become an important part of Jenssen’s ouvre and display his longstanding interest in designing and illustrating publications, both his own as well as for several leading contemporary and modern Scandinavian writers published by Kleinheinrich in Germany.

Early this year, Jenssen returned to his large canvases and has now completed a suite of 4 paintings, in a series entitled A Day Behind executed with oil on canvas, all in a duo-chromatic style, with fine laces and bursts of white oil paint over a deep cadmium red ground.

The exhibition Begleiter is a materialization of how, for Olav Christopher Jenssen, artistic endeavours are persistent – or in his own words: “simply an ongoing thing” – also when life takes unexpected turns.

Olav Christopher Jenssen (b. 1954 Sortland, Norway) is one of the foremost artists of his generation from the Nordic countries and has gained international recognition for his distinctive and multifaceted paintings, as well as for his idiosyncratic sculptures. His production includes drawing, watercolor, graphic works, book illustration and publications. Working simultaneously with multiple series and mediums, Jenssen alternates between the different works mentally and physically; from informal and rapidly painted pictures to more strict and formal paintings, in very large as well as intimate formats. Always exploring and adopting new methods and techniques, his works contain both continuity and diversity, therein emerging a rich visual vocabulary. The paintings open up a philosophical space for dialogue and reflection, encouraging the viewer to unveil strata of paint and decipher cryptic symbols, as on a journey through the history of abstract painting. Jenssen has over the years produced several public commissions ranging from murals and wall reliefs to freestanding monumental sculptures.
Jenssen lives and works in Berlin and in Lya, Sweden. He was appointed professor at Hochschule für Bildende Künste in Hamburg i 1996, and has since 2007 held a professorship at Hochschule für Bildende Künste Braunschweig in Germany. He is represented in important public collections, including the Museum of Modern Art, New York, Moderna Museet, Stockholm, Astrup Fearnley Museum, Oslo, Centre Pompidou, Paris, Kunstmuseum Bonn, Kiasma, Helsinki, Preussischer Kulturbesitz, Berlin, Marta Herford, Germany and The National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo. He has had major exhibitions at the Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo, Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki, and Kunstmuseum Bonn, Germany. Recent exhibitions include «Enigma» Marta Herford, Germany, «Journal – works on paper 1979-2012» Henie Onstad Art Centre, Høvikodden, Norway, «Olav Christopher Jenssen» Saarlandmuseum, Saarbrücken, Germany, «Estragon» Sprengel Museum, Hannover, Germany. In 2019, the Astrup Fearnley Museum in Oslo featured an impressive display of his works in the museums’ collection.

Olav Christopher Jenssen
Begleiter
Nye malerier, arbeider på papir og skulpturer i keramikk
20 september – 2 november, 2024

Vi er glade for å kunne invitere til utstilling med nye verk av Olav Christopher Jenssen (f. 1954). Jenssen er en av kunstnerne som har samarbeidet lengst med Galleri Riis, og dette er hans 20. utstilling i galleriet, siden den første i 1985.
For Jenssen, som fylte 70 år i april, har det siste året vært utfordrende, men også bemerkelsesverdig produktivt og kunstnerisk nyskapende. Utstillingen Begleiter inneholder nye verk på tvers av medier; femti keramiske skulpturer, åtti arbeider på papir og fem store malerier.

Vinteren 2023 fikk Olav Christopher Jenssen en hjerneblødning som førte til varige skader i synsenteret. Da det skjedde var han i gang med forberedelser til å starte arbeidet med en ny serie store malerier, som på grunn av sykdommen ble satt på vent. I den tidlige fasen av rekonvalesens grep han intuitivt til leire og begynte å forme skulpturer, alle varierende i størrelse og kompleksitet, men lett gjenkjennelige som en familie av mystiske personligheter og habitater som leder tankene til en skjult eventyrverden. Skulpturene har fått tittelen Begleiter, det tyske ordet for ledsager/følgesvenn, og har et rikt spekter av mettede glasurer som spenner fra nyanser av brunt og svart til lyse pasteller og mineraltoner.

Parallelt med arbeidet med skulpturene tok Jenssen gradvis opp sin serie Journal, som består av arbeider i blandet teknikk på papir i boksideformat, et prosjekt som har pågått siden 1986, og sett samlet kan det leses som en dagbok over hans kunstneriske virke. Verkene han har laget i løpet av det seneste året viser et mangfold av former og uttrykk, fra monokrome strektegninger til rike teksturer og vitale komposisjoner laget med fargestifter, pastellkritt og akvarell. Denne utstillingen markerer utgivelsen av Journal Vol. 08, en ny publikasjon med et utvalg av de seneste arbeider fra serien, utgitt av Buchkunst Kleinheinrich i samarbeid med Galleri Riis. Bøkene i Journal-serien har blitt en viktig del av Jenssens oeuvre og eksemplifiserer hans langvarige interesse for bokdesign og illustrasjon av publikasjoner, både hans egne og for flere ledende samtidige og modernistiske skandinaviske forfattere utgitt av Kleinheinrich i Tyskland.

Tidlig dette året vendte Jenssen tilbake til sine store lerreter og har nå fullført en serie på fem abstrakte malerier, kalt Isotherm. Alle er utført med kun to farger, og har finmaskete nett, linjer og strøk av hvit oljemaling over en dyp kadmiumrød grunn.

Utstillingen Begleiter er en bekreftelse på hvordan kunstnerisk ambisjon og produksjon er en vedvarende tilstand for Olav Christopher Jenssen, eller med hans egne ord – “rett og slett en kontinuerlig prosess” – selv når livet tar uventede vendinger.

Stephan Lee Udbjørg er tilbake med ny solo utstilling "I DID IT MY F#$% WAY" i galleri ALTI med fortsettelse av tema:
«Love you Forever !»

I en eksplosiv, kanskje sjokkerende/provoserende, fargesterk blanding gir han uttrykk for at hans figurer vil leve, overleve eller dø, uansett hva det koster.

Med hans bakgrunn fra scene, film og kunst både hjemme og i USA , tematiserer han ofte undergrunnskulturens råskap og lidenskap i sitt arbeid.

Kjærlighet, hat og sjalusi blir vist i stort format.

Stephan har nylig stilt ut i Gamle Munch Museet og GSF Skatepark med blant andre Christopher Nielsen, samt i Bodø 2024 Kulturbyen og i "Queer ways" på Jernbanetorget T-banestasjon.
Installasjonen “Fuck Hate“ ble utsatt for hærverk og tyveri gjentatte ganger i en av hans siste gruppeutstillinger; det belyser kanskje denne ustabile politiske tid vi lever i?
Utstillingen ”I DID IT MY F#$% WAY” åpner torsdag 24 oktober 2024 kl 18.00 i Galleri ALTI og står til søndag 3 november.

GALLERI i ALTI
Ullevaal Stadion
Sognsveien 75 C-D
0855 OSLO

Stephan Lee Udbjørg
Epost : stephanleeu@yahoo.ca

Utstillingens åpningstider:

Onsdag 23 oktober kl 12-19
Torsdag 24 oktober Åpning kl 18-21
Fredag 25 oktober kl 12-19
Lørdag 26 oktober kl 12-18
Søndag 27 oktober etter avtale
Onsdag 30 oktober kl 12-19
Torsdag 31 oktober kl 12-19
Fredag 1 november 12-19
Lørdag 2 november 12-18
Søndag 3 november etter avtale

Vi er stolte av å kunne annonsere vår nye utstilling med vinneren av Dronning Sonja Inspirasjonspris 2024: Kayo Mpoyi.

Utstillingen vises fra kl 19. 3. september - November 2024.

Maria Kayo Mpoyi (født 1986 i Kinshasa, Kongo) kombinerer visuell kunst og litteratur i sin kunstneriske praksis. Hun har skrevet to romaner som utforsker gjenoppdagelsen av forvrengt historie og helbredelsen av traumer gjennom fiksjon.

Hun tolker kreativt ulike fragmenter fra arkivet, en praksis hun kaller "indre arkeologi. ” Ved å veve fiktive historier rundt objekter hun finner i nasjonale og personlige arkiver, streber Kayo Mpoyi etter å gjenoppdage fortiden. Å huske er en aktiv prosess for å tolke og gjenskape minner. Tegning er en måte å la kroppen dekode på.

Bildet ovenfor:

Et portrett av mor, 2024

Unik

78 x 104 cm

Photo: Embla Myklebust

Exhibition space

Queen Sonja Print Award - Operagata 63B, Oslo, Norway

The Queen Sonja Print Award exhibition space is centrally located in Bjørvika, the rising cultural hub of Oslo. Surrounded by architectural masterpieces like MUNCH, Vannkunsten, and the Deichmanske public library, this part of Bjørvika has become a trendy and stylish residential area where small cafes, bars, restaurants and galleries lay side by side.

The opening of the QSPA exhibition space in spring 2021 was an important milestone on the foundation's mission to raise public awareness of and interest in graphic art. By creating a meeting place that offers unique and high-quality fine art prints, the exhibition space highlights the excellence that exists in fine art printmaking today and makes it more available to people. We see it as the epicentre for graphic art, and a window for the world to witness the greatness of this genre.

The QSPA exhibition space hosts selected pieces by recipients of the Queen Sonja Print Awards and various artists from around the world, in addition to some of HM Queen Sonja’s own work. The foundation's association with the best artists and their works, makes it possible for the exhibition space to host events and exhibitions of high quality and international magnitude.